SIN CINEMA

THE END

2010-06-03T17:54:00.002+01:00

O SIN CINEMA fica por aqui. Irá renascer num outro espaço e com um outro modelo em breve. Aos fiéis seguidores deste blogue, o meu obrigado. E o cinema continua...

ILUSÕES DE ÓPTICA: Memórias do 3D

2010-04-25T18:03:00.003+01:00

NA SALA ESCURA: Os extremos da vingança

2010-04-23T23:36:00.005+01:00

IRA. «A parte mais difícil não é tomar uma decisão. É viver com ela.» Jonas (Bruce McGill)

Os sentimentos inerentes à vingança são um manancial de ideias para um filme. Traduzir a dor e a angústia por imagens é sempre tão apelativo quanto a perversidade e o prazer de estar finalmente a ajustar contas.

Hollywood sabe disso e é por essa razão que a arte de fazer justiça é o cerne de um punhado de filmes todos os anos, assim como de séries televisivas em catadupa.

A proposta mais arrojada das últimas semanas neste campo chama-se UM CIDADÃO EXEMPLAR e é um trabalho bem executado que respira essencialmente dessa vontade acutilante de alguém se vingar. Só neste conceito está o confronto com a moralidade, o medo e um calculismo que alimenta o thriller, elevando-o para o território da quase demência.

Viver em função de um ajuste de contas pode ser difícil de sustentar por mais de hora e meia e este trabalho de F. Gary Gray ressente-se disso. Cai demasiadas vezes nas fórmulas do policial que se quer inteligente, mesmo quando esse esforço é em vão. Ninguém acredita na dose de maquiavelismo que sustenta a personagem de Gerard Butler, homem forçado a agir pelas próprias mãos, quando a Justiça não pune como deve os assassinos da sua mulher e filha pequena.

No fundo, o espectador está do lado do protagonista ao início, mas rapidamente se desprende quando percebe que as convicções do mesmo são apenas meras ilustrações artificiais de uma vingança que vai perdendo o sentido à medida que a acção avança e os planos do homem amargurado são tão imponderáveis quanto o caso Freeport ficar cabalmente esclarecido nos próximos seis meses.

Entre o filme de tribunal e o thriller de cortar a respiração, UM CIDADÃO EXEMPLAR consegue impor-se, ainda que à força e com a subtileza de um elefante numa loja de porcelanas. Elogia-se a entrega de Butler à sua personagem atormentada, o modo como a obra se desprende dos conceitos viciados de herói e vilão, além de que se tem de dar a mão à palmatória na conjugação de elementos que permitem pensar que um homem pode arruinar tudo à sua volta, mesmo encontrando-se preso numa apertada cela.

Pelo caminho, fica um contido Jamie Foxx como o promotor que tenta transmitir racionalidade neste jogo impróprio para cardíacos, ainda que seja um erro de casting. Afinal, de boas intenções está o inferno cheio e Butler engole Foxx desde os primeiros minutos. O filme é dele. E é ele que concentra os maiores méritos e defeitos deste trabalho musculado, que se deu muito bem nas bilheteira norte-americanas. A vingança pode ser uma obra de arte. Ainda que esta só se concretize no cinema.

UM CIDADÃO EXEMPLAR
De F. Gary Gray (2009)
* *
Depois da morte violenta da mulher e da filha, e quando os assassinos são indevidamente punidos, um homem amargurado demora dez anos a conceber um plano que prevê o fim de todos aqueles que estiveram de algum modo envolvidos na injustiça que lhe desfez o sentido da vida... É esta a premissa de mais um policial inventivo e forçado que o cinema norte-americano tanto gosta de explorar. É certo que testar os extremos da vingança impõe espectacularidade e assegura dramatismo em alguns papéis - Gerard Butler agarra muito bem a sua personagem -, mas também retira credibilidade e força o filme a entrar por caminhos hiperbólicos, que retiram coesão ao produto final. Um filme competente e dinâmico, mas apenas isso.

QUIZ: A que filme pertence esta imagem?

2010-04-20T14:44:00.002+01:00

No anterior desafio houve quem tivesse acertado. Por isso, nada como complicar um pouco as coisas e ir a tempos mais remotos. Quem chega lá?

Solução do QUIZ anterior: Arma Mortífera 4

NA SALA ESCURA: Dois estilos animados

2010-04-19T16:08:00.007+01:00

GULA. «Tudo o que sabemos a vosso respeito está errado.» HICCUP em Como Treinares o Teu Dragão

Já em diversas ocasiões reflecti sobre o estado da animação. Nunca esteve tão forte, imaginativa e tecnologicamente avançada. COMO TREINARES O TEU DRAGÃO, da Dreamworks, e A PRINCESA E O SAPO, da Disney, comprovam-no, ainda que o façam de formas diferentes.

Um sinal de que a indústria tem músculo para inventar, testar novas regras, mesmo que nestes dois casos vá buscar inspiração a modelos por diversas vezes testados, divertindo-se a invertê-los ou, simplesmente, a convocá-los.

O que têm em comum estas duas propostas? Foram êxitos consideráveis nas bilheteiras e são dois bons exemplos de que é possível encontrar um equilíbrio entre técnica e gestão dramática.

No caso de A PRINCESA E O SAPO, que se estreou no início do ano, o prodígio de revitalizar a animação clássica da Disney, optando pelo traço em vez do píxel, é de aplaudir, até porque o filme convoca grande parte do património animado dos estúdios, ainda num tempo pré-Pixar.

A história da princesa que é negra, sonhadora, pouco interessada em futilidades femininas, trabalhadora e modesta, representa também algum arrojo na construção das personagens que é digno de nota. Se não, veja-se: o príncipe é autoritário, preguiçoso e mulherengo em grande parte da acção; a princesa loura e vaidosa, é mimada até ao tutano e insuportável de aturar; os parceiros do par protagonista são animais pouco convencionais - um crocodilo trompetista e um pirilampo desdentado; além disso, os números musicais bebem muito mais do versátil jazz de Nova Orleães do que propriamente de baladas xaroposas.

Tudo excelentes opções, reflexo de uma produção que se quis actualizar sem, contudo, desdenhar das raízes da Disney.

Já COMO TREINARES O TEU DRAGÃO comprova que a Dreamworks continua a fazer sombra à Disney, para lá da saga 'Shrek'. Depois de uma série de tentativas mais divertidas do que profundas, consegue-se aqui também animar os adultos, tal como as crianças.

Esta viagem pelo tempo dos vikings não tem tempos mortos e inverte o imaginário do dragão assustador, cuspidor de fogo. A fábula é carregada de boas intenções, mas tudo é exposto na altura certa, dando espaço às personagens para se desenvolverem.

O 3D utilizado mostra que a técnica está-se a impor com uma rapidez impressionante. Ainda assim, COMO TREINARES O TEU DRAGÃO tira partido dela sem se centrar nela. É um filme que vale por si, com muitos mais méritos do que fraquezas.

Em suma: a animação está bem e recomenda-se. Para gáudio do público e dos bolsos dos produtores de cinema.

COMO TREINARES O TEU DRAGÃO
De Dean DeBlois e Chris Sanders (2010)
* * * *
O imaginário dos vikings foi uma ideia de génio para articular tudo com as criaturas aladas que, à primeira vista, são ameaçadoras, mas que escondem muitos segredos, que um jovem desarticulado com a sua comunidade vai aprender a respeitar. Além de uma óptima animação 3D, este delicioso filme comprova que a Dreamworks consegue quase alcançar o nível máximo dos estúdios Pixar. É caloroso e muito divertido. Está a arrasar as bilheteiras de todo o mundo! Por isso, não deve tardar a sequela...

A PRINCESA E O SAPO
De Ron Clements e John Musker (2009)
* * * *
Quem viu 'O Rei Leão', 'A Pequena Sereia' ou 'A Bela e o Monstro' consegue matar saudadas com este conto de fadas com mais reviravoltas do que é suposto. Divertido e bem construído, este filme tem aura de clássico, embora a sua dinâmica seja moderna. Com óptima animação e música de Nova Orleães, A PRINCESA E O SAPO é um caso raro de bom gosto. Que deve ser desfrutado em família. Foi nomeado para três Óscares - Melhor Filme de Animação e Melhor Canção Original, com os temas 'Almost There' e 'Down in New Orleans'.

CINEFILIA: As cinco promessas de Abril

2010-04-11T13:04:00.009+01:00

SOBERBA. Abril é um mês de impasse: as estreias mais fortes pré-Óscares já por nós passaram e aguardam-se as grandes apostas para o Verão cinematográfico.

É algo que explica a míngua de bons filmes, ausência de projectos de autor ou algo de realmente interessante. Por isso, nada como seleccionar bem o que se pode ver ou aproveitar para apanhar ainda em sala os projectos que escaparam nos primeiros meses do ano, período de verdadeira overdose de estreias.

- GREEN ZONE - COMBATE PELA VERDADE: Arrisca-se a ser o filme de acção mais sólido da temporada e uma das últimas investidas de Matt Damon como herói de alta voltagem - o actor já afirmou estar cansado de correrias... Ainda assim, há elogios por toda a parte a este trabalho que une o actor a Paul Greengrass, responsáveis por grande parte do êxito da trilogia de Jason Bourne. Damon é um sargento no terreno vulnerável do Iraque, que procura armas de destruição maciça enquanto se apercebe de uma conspiração...

- PÁRE, ESCUTE, OLHE: É bom perceber que apesar de nunca ter estado tão em baixo, o cinema português vai resistindo. Quando se sabe que o documentário tem força e público por cá (os números de cada edição do DocLisboa comprovam-no), chega às salas este documentário de Jorge Pelicano sobre as memórias dos transmontanos da centenária linha ferroviária do Tua, entre Bragança e Mirandela. Portugal questiona as suas gentes.

- HOMEM DE FERRO 2: É a obra-pipoca do mês que surge com expectativas em alta devido ao bom resultado do primeiro filme. É certo que as sequelas deixam quase sempre um amargo de boca, mas aqui, além de Robert Downey Jr. há outros factores de interesse, nomeadamente ao nível do elenco renovado. Por aqui passarão Samuel L. Jackson, Don Cheadle e ainda as muito aguardadas presenças de Scarlett Johansson e Mickey Rourke.

- 9: A animação lembra os trabalhos mais engenhosos de Tim Burton, mas o que se sabe é que o filme desapontou nas bilheteiras norte-americanas. É um retrato de um mundo pós-apocalíptico sem o tom adocicado de 'Wall-E'. O protagonista é um pequeno boneco de sarapilheira que decide perceber por que razão as máquinas dominam o planeta.

- O TEMPO QUE RESTA: Produção britânica de Elia Suleiman, que opta aqui pelo retrato semi-biográfico. Do mesmo realizador israelita que causou surpresa com 'Intervenção Divina', eis uma produção dividida em quatro episódios sobre uma família, desde 1948 até à actualidade. Uma tentativa de mostrar os palestinianos que foram chamados de "israelo-árabes". Vivendo numa espécie de campo minado no seu próprio país.

ILUSÕES DE ÓPTICA: Saudades do futuro

2010-04-08T22:38:00.001+01:00

OS SETE PECADOS DE... Março 2010

2010-04-06T14:49:00.003+01:00

LUXÚRIA. É um clássico daqueles... mesmo que só agora se tenha descoberto. Ver Ingrid Bergman a enlouquecer numa terra áspera, permanentemente ameaçada por um vulcão, na Itália profunda, é o trunfo de Roberto Rossellini em STROMBOLI. A personagem feminina chega ao ponto de trair o marido, numa gruta, com um pescador que lhe promete aliviá-la do pesadelo. Nada mais errado, porque aqui o caminho é mesmo para o precipício...

PREGUIÇA. É bom ver que a revista portuguesa 'Premiere' percebeu que precisa de se renovar para fazer a diferença. Com um novo naipe de nomes, textos mais incisivos e menos presos a sinopses desajustadas, além de fazer um esforço para apostar em exclusivos, a publicação tem a alma revigorada. Mas continuar a chegar às bancas com duas semanas de atraso face ao início do mês, é daqueles tiros no pé que vão custar caro... É assim que se quer conquistar leitores?!

GULA. A Valentim de Carvalho Multimédia teve uma boa ideia: pegar na obra de François Truffaut, já editada pela Costa do Castelo, e agrupá-la em dois packs de muito bom gosto e a um preço bem mais acessível: depois das aventuras de Antoine Doinel, acaba de chegar o conjunto 'O Amor e as Mulheres', que aglutina, nada mais nada menos, do que 'Jules e Jim', 'Angústia', 'As Duas Inglesas e o Continente', 'Uma Bela Rapariga', 'O Último Metro' e 'A Mulher do Lado'. Vale a pena.

IRA. Estou prestes a acabar de fazer uma colecção de cinema de guerra. Para lá de algumas desilusões (como a nova versão de 'Quatro Penas Brancas'), óptimas surpresas: o jogo de nervos de 'Submarino U-571' é um entretenimento a toda a prova, com óptima dinâmica e um excelente trabalho de Jonathan Mustow com a câmara... Até o canastrão Matthew McConaughey se sai bem. Mesmo que a tripulação real da história tenha sido britânica e não norte-americana como é mostrada no filme. Subtilezas típicas de Hollywood.

AVAREZA. A forma como o cinema Nimas, bem localizado em Lisboa, deixou de passar filmes e se dedica a espectáculos está mal explicada. Mais uma boa sala independente que desaparece da vida cultural lisboeta. Sem ai nem ui.

INVEJA. A animação já consegue ir a todo o lado. Quando ainda suspirávamos pela óptima passagem da Disney pela imagem tradicional de 'A Princesa e o Sapo', eis que nos chega 'Como Treinares o Teu Dragão', da Dreamworks, a aliar uma boa história ao cada vez mais omnipresente 3D. Já não há limites!

SOBERBA. Os livros de Ian Fleming sobre 007 acabam de ser relançados em edições muito bem feitas, com capas sugestivas - graças a estilizadas representações das 'Bond Girls'. O difícil vai ser resistir...

NA SALA ESCURA: O vício em John Travolta

2010-04-05T13:04:00.005+01:00

IRA. «Oh! Que se lixe o futuro!» TONY MANERO (John Travolta)

O IndieLisboa, que está prestes a voltar para mais uma edição, tem muitos méritos. O maior talvez seja a possibilidade de fazer chegar aos ecrãs nacionais projectos autorais, de dimensão menor, que de outra forma ficariam esquecidos no contexto cultural dos seus países de produção. Pois bem, TONY MANERO pode chegar com dois anos de atraso aos cinemas, mas ainda bem que o faz em nome do cinema multicultural, diverso, independente.

Estamos no Chile nos finais dos anos 70, com o regime de Pinochet a desintegrar um país sem raízes culturais, desfeito no espartilho político que corrompe a consciência, nas encruzilhadas da desigualdade social. No meio da crise, o cinema pode surgir como escape, ainda que depois sirva para ilustrar o comportamento erróneo de uma personagem que vive à margem.

É assim que nos é apresentado Raul Peralta (soberbo Alfredo Castro), um homem que mora nos subúrbios e que tem uma estranha obsessão: a figura de Tony Manero, personagem icónica de John Travolta em 'Saturday Night Fever'. O seu sonho é copiar-lhe os movimentos, a roupa branca com calças coladas ao corpo e deixar-se levar pela aura funky, ou melhor, disco sound.

À volta desta paixão tudo rui. Há uma rotina centrada numa pequena pensão, feita de personagens tristes que se deixam levar pela música de Raul. Mas este não é um modelo a seguir: além da sua obsessão em Tony, há também uma obscura veia de 'serial killer', que Raul demonstra nas mais inusitadas situações.

TONY MANERO é, por isso, um retrato dúplice de uma realidade chilena bem documentada, assente em personagens profundas e estranhas. O mérito do filme, de imagem granulosa, cores esbatidas e planos cortantes para evidenciar a deambulação do protagonista, é precisamente a figura construída por Alfredo Castro, dividida entre o sonho do disco sound e o pesadelo da morte que lhe corrói a acção.

Realizado em 2008, o projecto é um dos mais interessantes e díspares retratos sul-americanos que nos chegou nos últimos tempos. É bom descobrir este trabalho de Pablo Larraín, um autor preocupado em mostrar figuras humanas até na sua mais insondável inconstância.

TONY MANERO
De Pablo Larraín (2008)
* * *
Chile não é dos países cujo cinema seja mais conhecido por cá, mas há uma nova vaga que merece ser respeitada e discutida. Este trabalho de Pablo Larraín combina drama político, com thriller arrepiante e musical ilustrado pelas bolas de espelhos das discotecas. Apesar de haver alguma dificuldade em lidar com os espaços entre as cenas, o filme é um interessante retrato de personagens desavindas, com particular destaque para a entrega de Alfredo Castro ao seu Raúl, que sonha em ser John Travolta. Daí ao abismo é um curto passo...

OS MEUS POSTERS: Águia das Estepes

2010-03-29T09:35:00.003+01:00

AVAREZA. Akira Kurosawa nasceu há cem anos, o que leva a que as homenagens surjam aqui e ali, ainda que sem o impacto merecido. Por isso, nada como lembrar A ÁGUIA DAS ESTEPES, uma das suas muitas obras-primas. Esta é talvez a mais austera e com a mensagem mais forte, por enaltecer valores tão sólidos como a preserverança e a amizade, ainda que não de modo convencional. O relato da relação de sobreviência entre um militar czarista e um caçador asiático é cinema em estado puro. Ao confrontar a intempérie com a civilização, o filme cresce até às alturas dos maiores e aí fica, até à última cena.

NA SALA ESCURA: Jogo de máscaras de Burton

2010-03-22T11:58:00.004+01:00

GULA. "Existe um lugar. Como nenhum outro na Terra. Um lugar cheio de beleza, mistério e perigo! Alguns dizem que sobrevivem a ele..." Chapeleiro Louco (Johnny Depp)

Diz-se que era o projecto mais aguardado do ano, mesmo que só se esteja em Março, e percebe-se porquê: ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS é o regresso a um clássico literário na memória colectiva, mas na apropriação única operada por um dos grandes génios da imagem: Tim Burton.

O que o filme consegue fazer com o património dúplice de Lewis Carroll é reactualizar os conceitos gráficos, renovar o sentido de aventura onírica e brincar com as coordenadas da imaginação. Mais do que um filme denso de conteúdo, ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS é mais um soberbo jogo de máscaras que o realizador de "Eduardo Mãos de Tesoura" esculpe com o dom que só ele tem.

A caracterização é de tal forma brilhante, que rapidamente o espectador esquece o virtuosismo do 3D e se deixa levar pelas peripécias de Alice, aqui uma jovem mais crescida do que o costume, numa espécie de sequela perante a fábula que figura na nossa mente.

Se a primeira parte da história tem um singelo tom vitoriano, assim que a protagonista segue o coelho apressado e cai no buraco que dá para "Under Land" e não "Wonderland" o assombro é imediato. Nada foi deixado ao acaso: cada sequência é recheada de cor, cada personagem é trabalhada ao detalhe, cada efeito especial é usado a favor de uma história singular e quase hermética.

Se não fosse Tim Burton a dirigir esta versão, só David Lynch lhe poderia fazer frente. Neste caso, se há algo que pode deixar um amargo de boca é mesmo a incapacidade por ir no lado mais profundo da história ou numa certa condescendência de Burton nas exigências da Disney para travar o tom gótico que o cineasta tanto aprecia.

Ainda assim o que fica? Um sincero filme para toda a família e uma experiência visual para mais tarde recordar.

ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS
De Tim Burton (2010)
* * * *
A cumplicidade com Johnny Depp está lá, pela sétima vez, intacta; o tom onírico trabalhado também; as caricaturas fortes permanecem; e o sentido de fantasia visual também. Tim Burton volta a acertar naquele que é já o maior sucesso da sua carreira. É merecido. Apesar de algo superficial na composição de uma história fluída, o filme é um doce. Uma jornada por um espaço que parece uma gigantesca tela, um testemunho fiel à escrita de Lewis Carroll. O cinema de massas só sai a ganhar.

O QUE AÍ VEM... Inception

2010-03-18T01:04:00.003+01:00

SOBERBA. «O filme lida basicamente com diversos níveis de realidade e de percepções da realidade, algo que é do meu interesse.» CHRISTOPHER NOLAN

Entre colaborações frutíferas com Martin Scorsese, Leonardo DiCaprio escolhe projectos a dedo, com realizadores de prestígio, para se afirmar cada vez mais como um dos melhores actores da sua geração.

Quando nos cinema ainda nos envolve com a duplicidade de 'Shutter Island', há já um novo filme em marcha, desta vez centrado no cinema de acção futurista: INCEPTION, que, segundo consta, terá o título em português "A Origem", é não só o regresso de DiCaprio, como também do realizador Christopher Nolan, que está nos píncaros devido à sua nova visão da célebre personagem 'Batman'.

Agora, e apesar dos valores de produção envolvidos, Nolan parece querer voltar a premissas mais complexas e interrogadoras, à semelhança da sua carreira inicial - "Memento" ainda é das melhores coisas que o cinema norte-americano nos deu na viragem dos séculos...

Num misto de 'Relatório Minoritário', 'Cubo' ou 'A Cela', a história deste novo filme que nos chegará pelo Verão assenta na ideia de que tudo pode acontecer dentro da arquitectura da mente. O mote? "Num mundo onde a tecnologia existe para entrar na mente humana através da invasão de sonhos, uma só ideia pode ser a mais perigosa arma ou a mais valiosa."

Sabe-se ainda que DiCaprio será Cobb, um especialista em tecnologia que vem acompanhado de uma equipa - os excelentes Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt e Tom Hardy. Chega? Não, não chega. Há ainda os contributos Ken Watanabe, Marion Cotillard, Michael Caine, Lukas Haas e até de Tom Berenger.

Com um colossal orçamento de 200 milhões de dólares, INCEPTION pode ser o grande triunfador do Verão cinematográfico norte-americano. Espera-se é que não se perca no seu próprio labirinto narrativo...

NA SALA ESCURA: Duas faces do melodrama

2010-03-13T17:43:00.010+01:00

AVAREZA. «Não me mintas! O amor não quer nada comigo. Manda-me abaixo. O amor viola-me. Faz-me sentir que não valho nada.» PRECIOUS (Gabourey Sidibe)

A ideia da Academia de recuperar a velhinha tradição de ter dez nomeados para o Óscar de Melhor Filme pode ter soado a marketing, mas o que é certo é que se pôde ver filmes na linha da frente, que de outra forma nunca lá chegariam, não por falta de mérito próprio, mas pelas próprias noções inculcadas nos membros que escolhem os nomeados.

Apesar disso, tanto PRECIOUS como NAS NUVENS constariam certamente do leque de melhores filmes se a categoria se mantivesse só com cinco nomeados. A força dramática que os define, bem como o esforço para repensar o melodrama tornam ambos em excelentes exercícios do novo cinema norte-americano, mais próximo da matriz independente do que as fórmulas já gastas do típico blockbuster.

Comecemos pelo primeiro: trata-se de uma adaptação de um romance literário sofrido, uma história profundamente dramática, facilmente capaz de entrar no campo do sofrimento enjoativo. Pois bem: Lee Daniels conseguiu o frágil equilíbrio de traduzir as palavras amargas de Sapphire num belo conto triste.

A protagonista tem o mundo inteiro contra ela: obesa desmesurada, infeliz, analfabeta e com um filho deficiente resultante de uma violação do seu pai, a protagonista tem ainda de lidar com uma nova gravidez indesejada e com os tormentos físicos e psicológicos de uma mãe em estado de combustão permanente (interpretada magistralmente por Mo'Nique, justamente vencedora do Óscar de Melhor Actriz Secundária).

Mas quando se cai no fundo do poço só resta começar a tentar subir e é pelas palavras - a almejada poesia! - que Precious encontra algum conforto. Nisso e nos amigos. Seja a professora que lhe alimenta os sonhos, a um enfermeiro que a ajuda no parto, nas colegas de carteira ou numa funcionária da Segurança Social que quer descobrir o lado negro da personagem principal.

Além de uma contenção dramática impressionante, PRECIOUS reclama para si as linhas com que se cose o drama urbano, familiar e pessoal. Suportado por diálogos crus e bastante dolorosos, o filme tem uma estética bem conseguida, planos assombrosos e uma dinâmica autoral. É um filme com méritos próprios, que cresceu essencialmente do boca a boca.

Já NAS NUVENS, de Jason Reitman, pretende aproximar a comédia romântica com uma reflexão de contornos levemente dramáticos sobre os tempos modernos.

Numa época em que o trabalho já não é para sempre, o medo do despedimento serve de base para se conhecer a figura de fato aprumado e mala omnipresente na mão vivida por George Clooney. O seu trabalho é, precisamente, dar conta do fim do trabalho dos outros. Para tal, existe uma táctica discursiva que o protagonista domina como poucos. E uma vida passada em aeroportos.

É assim que se repensa a globalização, o pertencer a todo o lado e a lado nenhum. Tudo com a leveza das grandes histórias e simplicidade. Além de se questionar as relações humanas, questiona-se a noção de que viver sozinho é mais seguro do que acompanhado. Mas, por mais racional que se seja, o coração ainda consegue pregar partidas... Se Clooney é mais profundo do que a norma, Vera Farmiga e Anna Kendrick são o contraponto desejado. Em suma: um grande filme que aposta tudo na simplicidade. Outro equilíbrio difícil de alcançar. O melodrama está vivo, renovado e... recomenda-se.

PRECIOUS
De Lee Daniels (2009)
* * * *
Um minúsculo projecto produzido por Oprah Winfrey cresceu desmesuradamente e ainda bem. Baseado em factos reais, o filme é intenso, realista, profundo e cruel. Como cruéis são algumas vidas desavindas. O belo retrato humano deve muito à câmara de Lee Daniels, mas também a excelentes desempenhos: desde a estreante Gabourey Sidibe à monstruosa Mo'Nique, passando pelas breves presenças de Paula Patton e Mariah Carey. No fundo, é o que de melhor "um caso da vida" pode ser.

NAS NUVENS
De Jason Reitman (2009)
* * * *
O cinema de Jason Reitman já tinha impressionado com o simpático "Juno", mas aqui amadurece nas intenções e nos resultados. O homem que despede toda a gente e que gosta de viver sozinho, vai perceber que ainda pode ter surpresas afectivas. Tal como o espectador que aderir a este jogo de personagens muito bem elaborado. Cheio de boas ideias dramáticas e visuais, o filme tem ainda uma bela sequência inicial, com as vistas aéreas a assumirem um interessante lado expressionista e, por vezes, abstracto. A comédia quer-se inteligente assim!

QUIZ: A que filme pertence esta imagem?

2010-03-12T01:08:00.002+01:00

Chega o tempo do cinema de acção, até porque recentemente descobri um grande filme do género, "Busca Implacável", de Pierre Morel, com Liam Neeson a vingar-se de quem lhe raptou a filha. Este não é tão bom, mas entretém.

Solução do QUIZ anterior: Eram Todos Bons Rapazes, de Peter Berg (1998).

O MAIOR PECADO DE... Mariah Carey

2010-03-12T00:35:00.004+01:00

PREGUIÇA. "Heroicamente mau." EMPIRE

Diz-se que há uma maldição quando um cantor decide enveredar pela carreira cinematográfica. É certo que Jennifer Lopez nunca foi grande espingarda, que Madonna é sofrível e muitas vezes má, que Whitney Houston foi xaroposa antes de se render às drogas, que 50 Cent não tem jeitinho nenhum, que Ice Cube falha muito mais do que acerta, que David Bowie não faz falta nenhuma a 'Terceiro Passo', que Jon Bon Jovi é um canastrão quando tenta fazer de herói romântico. Uff.... Até que chegamos a Mariah Carey e, na sua estreia desastrada como protagonista de GLITTER - O BRILHO DE UMA ESTRELA, temos um redondo falhanço.

Sabe-se que a estrela da voz poderosa e das acrobacias vocais, admiradora assumida das saias curtas mesmo quando as formas não o permitem, é uma grande rival de Eminem, mas devia ter aprendido alguma coisa com o seu ódio de estimação: a sua estreia em "8 Mile", quando tudo apontava para o fiasco, foi um interessante auto-retrato, sapientemente elaborado por um realizador com créditos firmados, como é Curtis Hanson.

Pois bem, esta espécie de musical orienta-se por clichés de drama romântico sem chama, sem diálogos que se aproveitem e com Mariah a disfarçar como pode a sua incapacidade para representar. Para complicar tudo, há uma estética alusiva aos anos 80 que não funciona, personagens fúteis, uma busca para encontrar uma mãe que nunca devia ser encontrada e uma infantilização de sentimentos que não se coaduna com a mulher que é aquela que mais discos vendeu em toda a década de 90.

Não está em causa o seu talento como voz - os momentos mais felizes do filme estão na actuação de 'Reflections' e no tema que surge nos créditos finais, 'Lead the Way' -, mas está tudo o resto. O filme é piroso, desastrado, incapaz até para aprofundar uma história de amor, até porque o actor Max Beesley é tão mau ou pior do que Mariah a querer fazer-se passar por adolescente com dúvidas.

No fim, temos um fiasco de todo o tamanho, que custou caro à cantora, que sofreu um esgotamento por estas alturas e demorou um par de anos a recuperar o seu estatuto de diva das baladas. É certo que Mariah Carey tem o seu lugar na música pop, mas não tem de certeza um lugar no cinema. O filme "Precious" reabilitou-a e já está a fazê-la sonhar com voos mais altos (consta que a estrela gostava de entrar num filme de Woody Allen...), mas o peso do gigantesco flop que foi GLITTER demorará a desaparecer.

Se tudo já não fosse suficientemente pobre, eis que a data de estreia do filme acabou por ser mais um tiro ao lado: chegou aos cinemas a 11 de Setembro de 2001. Um azar nunca vem só!

Críticas de fugir:
- DALLAS MORNING NEWS: Carey de certeza que sabe cantar, mas de certeza que não sabe representar;
- ABOUT.COM: É quase fisicamente desconfortável assistir aos desempenhos de 'Glitter'.
- AUSTIN CHRONICLE: É mesmo verdade?
- CNN: Escapismo total sem um pingo de verdade.
- PALO ALTO WEEKLY: Mariah Carey devia ter tirado aulas de representação com Mark Wahlberg. A primeira lição é: começa por pensar pequeno.

Filme do ano impróprio para cardíacos

2010-03-09T12:37:00.002+01:00

CINEFILIA: As cinco promessas de Março

2010-03-09T12:14:00.009+01:00

SOBERBA. Ainda sob o efeito das estreias apressadas a tempo dos Óscares, Março é um mês interessante em matéria de cinema de autor (mesmo de realizadores já com força comercial como Tim Burton ou Peter Jackson). Além disso, é também o mês do último filme de Heath Ledger, em "Parnassus - O Homem Que Queria Enganar o Diabo", de Terry Gilliam.

- ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS: Tim Burton volta a apropriar-se de uma história de tom onírico, conhecida de todos. A expectativa em torno deste gigantesco projecto, que representa a sua estreia no 3D, deve-se principalmente à sua capacidade em reinventar um imaginário. É o seu regresso à cumplicidade com Johnny Depp e à Disney. É o filme mais aguardado do ano, so far...

- VISTO DO CÉU: O que é feito de Peter Jackson desde "O Senhor dos Anéis"? A resposta chega agora: adaptação de um conhecido romance sobre uma jovem de 14 anos que é assassinada. Num outro plano, resta-lhe olhar de cima o que se passa com os seus entes queridos. É uma premissa arriscada, mais melosa do que se podia esperar de Jackson. Mas não é por isso que é menos interessante. Stanley Tucci chegou a ser nomeado para o Óscar de Actor Secundário.

- TONY MANERO: Cinema do mundo ainda consegue chegar às nossas salas... Trata-se de uma produção independente chilena, que aborda os tempos duros e melindrosos de Pinochet. Entre a comédia e o terror humano, é o relato de um serial killer que tem uma obsessão pela personagem de John Travolta em 'Saturday Night Fever'.

- ALMA PERDIDA: Cinema norte-americano mais pequeno (e por isso, geralmente, mais interessante), que representa o regresso ao protagonismo de Paul Giamatti. É certo que pouca gente deu por este trabalho, mas a forma como supostamente reflecte sobre a alma e a consciência, enquanto se seguem as deambulações de um actor, merece atenção. E, claro, Emily Watson também entra. Deve valer a pena.

- AS ERVAS DANINHAS: O filme europeu do mês é também o regresso de Alain Resnais. A premissa? Uma mala perdida e depois encontrada abre a porta à romântica aventura de um casal.

Óscares: As surpresas vieram no fim

2010-03-08T19:43:00.005+01:00

SOBERBA. "Este prémio é para os homens e mulheres que arriscam todos os dias a sua vida no cenário de guerra, seja no Iraque, no Afeganistão ou em outras partes do Mundo. Voltem em segurança." KATHRYN BIGELOW

Um filme de guerra mas com mensagem de paz: foi assim o serão deste domingo de Óscares, numa cerimónia praticamente sem surpresas, demasiado retalhada pelo medo da monotonia e com a química entre os anfitriões Steve Martin e Alec Baldwin a deixar muito a desejar. Surpresas, surpresas foi mesmo a imensa derrota de 'Avatar' e a consagração de 'Estado de Guerra'.

Com seis Óscares, este estimulante trabalho - que eleva o cinema de acção a um nível particularmente inventivo - permitiu, além de ser considerado Melhor Filme, a Kathryn Bigelow tornar-se a primeira mulher a vencer o Óscar de Melhor Realização. Uma justa consagração, para uma trabalhadora de há muitos anos, adepta de um cinema em nome próprio, musculado e cerebral.

'Estado de Guerra' é mesmo o ponto alto da carreira oscilante de Bigelow e merece agora o reconhecimento depois de uma passagem discreta pelas salas nacionais no ano passado. As deambulações de um trio de militares no Iraque, com a extrema função de desactivarem bombas instaladas pelos rebeldes da Al-Qaeda, são um misto caloroso de vigor e emoção em estado puro, com as belas sequências ritmadas devidamente contrabalançadas com um retrato denso dos seus protagonistas. Foram Óscares merecidos.

De resto, 'Avatar' de James Cameron ficou pelo caminho: venceu apenas três estatuetas douradas de relevo técnico, com particular ênfase para os Melhores Efeitos Especiais. Além disso, o realizador de 'Titanic' teve de se contentar em ser o alvo da chacota da noite: Ben Stiller meteu-se com ele, assim como o realizador do Melhor Filme Estrangeiro (o argentino 'El Secreto de Sus Ojos'), Juan José Campanella: “Quero agradecer à Academia por não entender Na'vi como uma língua estrangeira”, disse no seu discurso.

Outros premiados? Sandra Bullock foi a Melhor Actriz (por 'The Blind Side') e Jeff Bridges (por 'Crazy Heart', que recebeu ainda mais um prémio pela canção). 'Precious' ganhou dois Óscares (Melhor Actriz Secundária, Mo'Nique, e Argumento Adaptado) e 'Up-Altamente!' também (Melhor Banda Sonora e Filme de Animação). Já Christoph Waltz salvou 'Sacanas Sem Lei' de sair da gala com um prémio: o de Melhor Actor Secundário. Para o ano há mais. Espera-se que com uma cerimónia com mais sal...

OS MEUS POSTERS: O Vigilante

2010-03-02T00:07:00.004+01:00

AVAREZA. Numa altura em que tanto se fala de escutas e nos seus efeitos perversos, lembrei-me de um filme maior de Coppola - e talvez um dos mais subavaliados. O VIGILANTE é não só um grande trabalho sobre a arte de ouvir e ser ouvido, como também é um inteligente retrato sobre o homem que está do lado de lá, a ouvir. Gene Hackman raramente foi tão longe como neste brilhante exercício sobre até onde se pode confiar naquilo que aparentemente é irrefutável. Será que a vigilância é o melhor caminho?

OS SETE PECADOS DE... Fevereiro 2010

2010-02-27T21:30:00.006+01:00

IRA. Neste mês de regresso a SIN CINEMA houve um pecado maior de todos: ver ANTICRISTO, o último abismo visual de Lars von Trier. Já nos habituámos ao estilo violento, cru e misógino, mas sempre se retira alguma mensagem das suas histórias. Neste último caso, há dificuldade em dizer se se gostou do filme. Plasticamente belo, tem boas interpretações mas a vontade da transgressão vai longe de mais. A tortura esvazia por completo o casal protagonista e gera a dúvida sobre as motivações de von Trier, que diz ter feito este filme para curar uma depressão. O que é certo é que se von Trier não fosse realizador de cinema, seria certamente um psicopata!

SOBERBA. Na minha vontade de (re)descobrir westerns eis que me confronto com 'O Ouro de McKenna', grande aventura de um naipe de personagens atrás de um mítico desfiladeiro de ouro. Há emoção, grandes reviravoltas e uma dinâmica que não quer nada com a monotonia. O xerife de Gregory Peck e o vilão Colorado de Omar Shariff são outros pratos fortes. Depois, há belas imagens do deserto, mas este projecto ousa demasiado nos efeitos especiais: a montagem de algumas cenas a cavalo é trapalhona e o tremor de terra final feito com muito pouco jeito. A esta distância já se consegue perceber como se evoluiu na vontade de ser verosímil.

GULA. Já cheira a Óscares e ainda bem. Este ano a colheita é variada e mais sumarenta do que a norma. Se 'Avatar' se arrisca a dar cabo da concorrência, por outro lado seria bom a ex-mulher de James Cameron, Kathryn Bigelow, conseguir levar a melhor com 'Estado de Guerra'. O que ainda falta ver dos principais nomeados: 'Nas Nuvens', 'Precious', 'Uma Educação' ou 'District 9'. O tempo não dá para tudo...

INVEJA. É discreto e muito bem localizado e inclui um cartaz que foge à lógica do blockbuster tradicional e lembra até a selecção de um estimável Quarteto. Descobri na semana passada o Cinema City Alvalade. Parece mais próximo da vontade de recuperar o cinema de bairro e tem bastante bom gosto na decoração. Com salas mais pequenas, parece querer assumir-se como uma boa alternativa ao King.

AVAREZA. O Fantasporto já começou mas quase ninguém deu por ele... De quem é a culpa? Mário Dorminsky queixa-se da falta de apoios e ameaça retirar o festival da cidade que o viu nascer. Será que ainda vamos ter um Fantaslisboa? Espera-se que não e, por outro lado, que a prometida colecção de DVD com os melhores filmes do historial do festival sempre se concretize.

PREGUIÇA. Não tenho nenhuma vontade em ir ver 'A Bela e o Paparazzo', de António-Pedro Vasconcelos. Admiro o realizador, a sua carreira, mas confesso que nada do seu novo projecto me atrai ao ponto de me fazer ir à sala escura. Vi o trailer, o Nuno Markl, a sátira aos famosos, a Soraia Chaves a querer parecer diferente da sua personagem do interessante 'Call Girl' e... esperarei pelo DVD.

LUXÚRIA. O caso da traição do mês vai para a bela e talentosa Evan Rachel Wood, que decide trair a personagem de Larry David em 'Tudo Pode Dar Certo'. Woody Allen não só nos desvia a atenção da dupla protagonista de modo inteligente como ainda vai mais longe: repete a ideia de um 'menage a trois' com a personagem vivida por Patricia Clarkson, depois de ter gostado da fórmula com 'Vicky Cristina Barcelona'.

NA SALA ESCURA: Os tormentos de Scorsese

2010-02-25T23:14:00.005+01:00

AVAREZA. "Prefiro viver a vida como um homem do que morrer como um monstro." TEDDY DANIELS (Leonardo DiCaprio)

Tem-se discutido muito que papel assume SHUTTER ISLAND na carreira milagrosa de Martin Scorsese - a par com Clint Eastwood talvez o maior cineasta norte-americano vivo!.Há quem defenda que pouco, mas mostra que o rasgo do realizador de 'Taxi Driver' se mantém, polvilhado de referências cinéfilas e capaz de articular emoção com uma estrutura narrativa madura.

Neste caso é o cinema de sombras que se impõe, estilo que Scorsese já abordou seja no remake de 'O Cabo do Medo' ou no já referido 'Taxi Driver'. Se méritos faltassem a SHUTTER ISLAND, o que se passa é que coloca a estética do film noir na obra de um realizador que ainda consegue surpreender.

Já se sabe que a história decorre numa ilha isolada do Massachussets, em plena Guerra Fria, num penhasco que esconde uma fortaleza onde está instalado um hospital psiquiátrico. Quem o frequenta vive aprisionado fisica e psicologicamente. É aí que chegam dois agentes da polícia para investigarem o desaparecimento de uma doente perigosa. Contar muito mais é estragar este jogo denso de enganos, com constantes reviravoltas. Uma certeza: nada é o que parece e rapidamente o policial dá lugar a um filme de pesadas conotações psíquicas.

No entanto, a forma como tudo é gerido, a descrição do tormento do protagonista, o clima cerrado, os diálogos cortantes, as personagens dúbias, tudo é gerido com uma extraordinária contenção. O cinema de Scorsese mergulha fundo nos mistérios insondáveis da mente e o espectador é que ganha com isso. Porque se deixa envolver numa espiral dramática sem possibilidade de volta.

Além de excelente técnico, Scorsese dirige os seus actores como ninguém e a aposta em Leonardo DiCaprio volta a ser certeira. O actor empresta ao seu Teddy Daniels toda a impetuosidade que lhe é característica, mas também rapidamente se percebe que o protagonista tem coisas mal resolvidas no seu íntimo.

Mesmo nos momentos de abstracção, Scorsese revela a subtileza dos mestres.

Ainda no campo da composição, SHUTTER ISLAND comporta um dos mais sólidos elencos que temos visto nos últimos anos. Ben Kingsley, Patricia Clarkson, Max Von Sidow e Mark Ruffalo deixaram-se embrenhar nesta história de bela fotografia e óptima caracterização.

O efeito de clausura está lá, assim como lá está a vontade em gerir o suspense sem recorrer a fórmulas gastas. Por tudo isso, SHUTTER ISLAND já é o filme mais importante deste ano cinematográfico. Absolutamente imperdível.

SHUTTER ISLAND
De Martin Scorsese (2010)
* * * * *
Sem dar passos em falso e já com o há muito desejado Óscar de Melhor Realizador no bolso, Martin Scorsese tinha avisado que se ia dedicar a projectos mais pessoais. Isso não quer dizer que descurasse o grande público. Para este tumultuoso conto negro, 'Marty' voltou a chamar DiCaprio numa quarta colaboração de peso e já tão sólida quanto a de De Niro entre os anos 70 e 90. Está tudo no lugar certo, não há pontas soltas. O que se retém é o gosto pelo cinema rico, cheio de falsos sentidos, alçapões secretos e uma vontade imensa em questionar a consciência. Esse elo que nos dá certezas mas também muitas dúvidas. Uma obra-prima.

Dar umas luzes aos Irmãos Lumière (XI)

2010-02-24T23:34:00.004+01:00

Caros irmãos Lumière,

Já tudo se disse, viu e escreveu sobre 'Avatar', actualmente o filme mais rentável de todos os tempos (o que não quer dizer que tenha sido o mais visto). Agora que a poeira começa a assentar, vale a pena pensar um pouco no impacto desta obra megalómana - mais uma! - de James Cameron, o mago experimental do cinema de massas.

É certo que o filme sobre mundos paralelos com mensagem pró-ambientalista tem um lugar primordial na história do cinema, criando já um marco do século XXI, que é a capacidade de abolir as escassas margens de realismo ou constrangimento visual que ainda poderiam resistir. Já tudo se pode fazer, o ser humano está morto no grande ecrã, os píxeis são cada vez mais um instrumento de relevo no momento de pensar a fantasia.

Depois, 'Avatar' permitiu que o cinema 3D se implantasse definitivamente como arma comercial, capaz de devolver à sétima arte o lado de profundidade gráfica que já se havia tentado antes sem sucesso, além de permitir aos estúdios encontrarem uma forma de manter ou fazer crescer as margens de lucro e retomar como experiência única a ida à sala escura. Até porque por mais desenvolvida que esteja a pirataria ainda não consegue reproduzir a experiência de se ver em três dimensões, hoje já num nível muito aceitável.

O mérito de tudo isto é inteiramente de James Cameron, um verdadeiro visionário, que volta a dar um passo de gigante na componente espectacular do cinema. Ao contrário de George Lucas, que ficou enredado nos virtuosismos de uma só saga (sim, 'A Guerra das Estrelas)', o realizador de 'Exterminador Implacável', 'O Abismo', 'Aliens - O Recontro Final' e 'Titanic' tem conseguido acompanhar as tendências do grande consumo sem abdicar de uma história à prova de bala, com a enorme capacidade de surpreender.

O cinema comercial quer-se surpreendente e Cameron é mesmo o mago cinéfilo do século XXI. As fronteiras esbateram-se e um novo filão está aí à porta: o 3D é a nova mina de ouro que será replicado até à exaustão nos próximos tempos. O espectador renovou o encantamento perante o cinema e, por isso, os projectos que se avizinham serão de altíssimas expectativas para quem acredita no 'blockbuster'.

O efeito mais imediato veio no campo da animação, mas a imagem real também já está a estudar novas potencialidades graças à técnica explorada com eficácia por Cameron, que criou novas câmaras para cumprir o seu sonho antigo que era 'Avatar'. Gente respeitável como Tim Burton ou Steven Spielberg seguem-lhe as pisadas.

Será uma nova era do cinema? Talvez. Mas há também aqui uma ameaça: a tentação de colocar a técnica à frente da inventividade. Neste ponto, o cinema independente tem um papel preponderante e será interessante ver como se adapta a esta nova realidade. Quer-se, de facto, o fascínio visual. Mas, acima de tudo, o cinema é a arte de mostrar histórias. Boas histórias para mais tarde recordar.

NA SALA ESCURA: Cansado de fantasias

2010-02-23T19:47:00.007+01:00

PREGUIÇA. «Primeira regra da estratégia de um combate: nunca deixes o teu rival distrair-te.» ANNABETH (Alexandra Dadario)

Pode ter havido épocas em que se desejou que o cinema se desvinculasse do realismo e apostasse na sua componente mais forte de escapismo. Nos períodos do film noir ou da nouvelle vague francesa pode ter-se sentido falta da fantasia. Porém, quando Hollywood descobre uma fórmula usa-a até à exaustão, com a dificuldade acrescida de ter vontade em replicá-la em desnecessárias sequelas.

O grande responsável pela proliferação de histórias fantasiosas vazias de sumo narrativo não é Harry Potter ou o clássico de Tolkien, mas sim o poder dos efeitos visuais. Hoje já tudo é possível de ser recriado sem os constrangimentos de se poder gerar um efeito de falsidade. O digital dispensa o elo humano, os seres mascarados presos por arames ou as doses excessivas de maquilhagem.

O caso mais recente de uma saga que se quer impor entre o público juvenil (aqueles que ditam aos pais o que ver na sala escura...) é PERCY JACKSON E OS LADRÕES DO OLIMPO, já em exibição. Para que tudo na oleada máquina do cinema comercial bata certo nada como recrutar um punhado de actores secundários de relevo - a que custa ver mais por estas andanças é a sempre excelente Catherine Keener! -, uma saga literária de fácil consumo com intermináveis capítulos subsequentes e até um realizador habituado a este tipo de espectáculo, Chris Columbus, que já deu o ponto de partida na saga de J.K. Rowling ao dirigir os dois primeiros capítulos de Harry Potter.

Desenhado ao milímetro para ter sucesso, o filme de Columbus é uma imensa manta de retalhos, fútil, desordenada e carente de ideias novas. Sabemos que temos um herói que não sabe que o é, que tem de partir numa missão absurda que o vai levar ao contacto com os deuses do Olimpo. Ele é, inclusivamente, meio humano, meio Deus, filho de Neptuno. A premissa pode ser simples, mas tem tantas ideias inacabadas que fica desde logo comprometido o efeito de identificação.

O modo atabalhoado como o herói descobre os seus poderes é de um efeito primário indiscritível e isto é só o começo... Pode-se elogiar a dinâmica da acção, a ausência de tempos mortos, mas não se perdoa a ineficácia das personagens, com a espessura de um fio de cabelo.

Por fim, o maior constrangimento vai - como já se disse... - para o elenco de secundários notáveis que aceitaram ganhar uns trocos extra para serem caricaturas andantes. Se, por um lado, Sean Bean ou Rosario Dawson quase passam incólumes, já Pierce Brosnan cai no ridículo e Uma Thurman parece querer repetir o desaire de «Os Vingadores» ou «Batman & Robin». Enfim, o entretenimento pode ser garantido para os fãs da saga literária. De resto, todos os outros ficam à porta.

PERCY JACKSON E OS LADRÕES DO OLIMPO
De Chris Columbus (2009)
*
Entretenimento juvenil não deveria querer dizer entretenimento vazio de conteúdo. Mas neste caso é o que acontece, ainda que mascarado de heroísmo interessado na Grécia Antiga, nos Deuses do Olimpo e em criaturas místicas que remetem para um inteligente imaginário. Neste caso tudo está feito para ser um sucesso de consumo rápido. Não há nenhum rasgo, só acção desenfreada e mistérios básicos para resolver. O cinema fantástico tem rapidamente de crescer, sob pena de ficar enredado nas mesmas fórmulas. Aprendam com Tim Burton, se faz favor.

QUIZ: A que filme pertence esta imagem?

2010-02-23T19:38:00.004+01:00

Já vai tempo desde o último desafio, mas é sempre saudável recordar memórias cinéfilas. Para (re)começar, desta vez, um desafio acessível, até por ter em primeiro plano uma cara imediatamente reconhecível. Quem é o primeiro a acertar?

Solução do QUIZ anterior: Sombras, de John Cassavetes, grande produção independente de 1959.

NA SALA ESCURA: Regresso ao niilismo de Allen

2010-02-22T18:54:00.006+01:00

IRA. "Vêem? Sou o único que vê o filme todo. É o que eles chamam de génio." Boris (Larry David)

Os detractores continuam a insistir na ideia de que Woody Allen faz sempre variações do mesmo filme, mas o que é certo é que quando se vê TUDO PODE DAR CERTO fica-se com a sensação que o cineasta nova-iorquino regressou a território seguro, ao humor polido, às relações humanas desfragmentadas, à inventividade aparentemente ingénua, às neuroses irresistíveis. Sim, já conhecemos este tipo de cinema, mas há muito que ele não nos deliciava tanto.

Não é a primeira vez que Woody Allen se preocupa com o sentido da vida, mas neste caso o seu niilismo desordenado e assente no princípio clássico do "Carpe Diem" parece ter uma aura negra. Ou seja, como se a idade avançada tirasse qualquer réstia de optimismo perante uma ordem das coisas sem ordem alguma ou um desencantamento face ao caos que nos rege. Perante o peso da realidade, resta viver fechado sobre nós próprios e aproveitar. Porque nada mais se pode fazer.

É mais ou menos isto que move Boris, um homem amargurado, que se sente mais consciente do vazio do que a maioria das pessoas e que não tem nada a prendê-lo à vida - sim, há até umas tentativas de suicídio comicamente montadas... Mas aqui Woody Allen resolve converter a grande e rabugenta personagem de Larry David - como peixe na água a fazer de Woody Allen... à sua maneira peculiarmente rezinza - em nome do amor.

É essa inversão que não aconteceu em outros casos como 'Crimes e Escapadelas' - talvez o melhor e mais dramático tratado do cineasta sobre as difusas fronteiras do bem e do mal. TUDO PODE DAR CERTO é por isso uma comédia sensível e esperançosa de que a sorte, apesar de ser o que mais pesa numa existência, possa mudar de um momento para o outro.

Além de excelentes desempenhos, Woody Allen dá com este filme um novo fôlego para quem o criticava de ter superficializado o seu estilo. E aproveita para satirizar as relações humanas, os telhados de vidro, a situação de uma América cosmopolita mas enredada nas aparências. Neste ponto, os pais de Melody (irresistível Evan Rachel Wood) e a sua conversão a uma liberdade até sexual são mais uma tirada de génio de Allen.

TUDO PODE DAR CERTO pode não ser a obra-prima que todos ambicionam, mas é o mais inteligente filme de Woody Allen desde 'Match Point'. Nem sequer falta aquela vontade em testar a relação espectador-filme, colocando o protagonista a interpelar directamente quem está sentado na cadeira de uma sala escura. Já tínhamos saudades de ser assim surpreendidos.

TUDO PODE DAR CERTO
De Woody Allen (2009)
* * * *
Nada como regressar à Nova Iorque natal para voltar a filmá-la em tempos agitados e desencantados. Há piadas sobre a recessão, a morte e a modernidade, o que revela que Woody Allen é, além de um cineasta, um excelente observador de comportamentos. O modo como as personagens de Larry David e Evan Rachel Wood (ambos excelentes) evoluem é um caso de coerência narrativa e muito bom gosto. A singeleza da acção que se dá a conhecer a passos lagos é suficiente para continuarmos todos os anos a ansiar por mais um filme de Woody Allen. Esta é a primeira grande surpresa cinéfila do ano. A tradição ainda é o que era...

ILUSÕES DE ÓPTICA: S. Valentim atrasado

2010-02-16T00:56:00.001+01:00

As voltas que isto dá

2010-02-15T00:18:00.006+01:00

GULA. «O gosto é o resultado de mil desgostos.» FRANÇOIS TRUFFAUT

Seis meses depois, de volta. E o que mudou nestes seis meses? Casei-me, mudei de emprego, andei algo desorientado, reencontrei-me, arranjei um cão.

E no cinema? "Avatar" revolucionou e arrecadou milhões, o cinema 3D está na moda, estrearam-se novos títulos de Coppola, Allen ou Haneke, morreu Eric Rohmer e a arisca Brittany Murphy, nasceu uma estrondosa versão em DVD de 'O Feiticeiro de Oz' e 'E Tudo o Vento Levou'. Houve mais nomeações para os Óscares, os videoclubes estão a fechar, os pedidos de vídeos em casa a subir. Fala-se de novos ecrãs, de novas potencialidades, espera-se a morte dos media convencionais... Apareceu o iPad, quase desapareceu o VHS.

O que fica disto tudo? Uma saudade por não ter acompanhado de perto, aqui e perante a pequena legião de fiéis, estes e outros momentos, mas com a certeza de que as ondas andam agitadas e que o prazer do cinema se mantém. Rejuvenescido, disperso e ansioso por ser traduzido em palavras.

Volto com a vontade de antes e com a certeza de que vêm aí mais instantes para serem partilhados. O SIN CINEMA, apesar da recente ausência, mantém a estrutura e a filosofia de antes: pensar o cinema pelo olhar de quem se deixa submergir por ele. É bom estar de volta!

Até um dia destes

2009-08-10T18:27:00.003+01:00

PREGUIÇA. «Pensa devagar, age depressa.» BUSTER KEATON

As coisas estão sempre a mudar, a uma velocidade que impressiona. O próprio cinema muda. Há novos desafios a agarrar, oportunidades que não se podem perder. Ao mesmo tempo, há alturas em que se deve fazer uma pausa. Para depois voltar com a alma revigorada.

O SIN CINEMA vai de férias. Volta num dia destes...

O QUE AÍ VEM... Alice no País das Maravilhas

2009-07-31T11:24:00.008+01:00

GULA. «Em todas as outras versões da história que vi, nunca senti uma verdadeira ligação, não só por causa da natureza da obra que segue uma série de acontecimentos como pelo facto das personagens serem estranhas.»TIM BURTON

Se há cineasta que nos está a fazer acreditar outra vez em contos de fadas é Tim Burton. Quando se pensa que o mesmo não pode ir mais longe, eis que um novo projecto, de cariz bizarro e arriscado, nos faz acreditar novamente no vigor do cinema fantástico.

ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS é já o mais desejado filme dos próximos tempos, até porque Burton veio dizer que quer dar à história de Lewis Carroll o tom onírico que ela nunca teve.

Basicamente o que se pode esperar é um filme para toda a família, mas sem ser bem comportado, até porque Tim Burton tem uma paixão secreta (ou, se calhar, não assim tão secreta...) pelo lado negro das coisas. E não há nada de tão cruel do que um conto infantil...

Será preciso esperar ainda uns bons meses para se comprovar como será esta luxuosa produção, mas há alguns detalhes que só aumentam o apetite... Desde logo, Burton convoca os seus parceiros de outros trabalhos para esta fábula, seja a esposa Helena Bonham Carter na pele da Rainha de Copas ou o camaleónico Johnny Depp como o Chapeleiro Louco - na já sétima colaboração com o criador de «Eduardo Mãos de Tesoura».

Pelo aspecto das primeiras imagens, mostra-se que Depp continua a querer ir tanto mais longe na desconstrução do seu aspecto quanto possível...

Para o papel de Alice, a jovem que entra num mundo de coordenadas diferentes, está a quase desconhecida Mia Wasikowska, jovem platinada com leves traços de Gwyneth Paltrow. Mas as surpresas não ficam por aqui: Michael Sheen será o coelho branco (!) e há ainda Anne Hathaway, Alan Rickman, Stephen Fry e o velho parceiro Christopher Lee (cada vez mais perto da bonita idade de 90 anos).

Em matéria de banda sonora, podemos ficar descansados: caberá a Danny Elfman, mais uma vez, traduzir em sons o que vai na mente de Burton.

TIM BURTON TAMBÉM ERRA
O CINEMA COMO CIRCO: ONDE ENTRA BURTON?

NA SALA ESCURA: Duas formas de rir

2009-07-30T11:32:00.006+01:00

SOBERBA. «Posso dar-vos um conselho? Cortem as barbas porque esse ar de Rei Osama parece o de um feiticeiro sujo... ou de um Pai Natal sem abrigo.» Brüno (Sasha Baron Cohen)

Uma vem do outro lado do Atlântico, com paragens no Médio Oriente, em África e génese na pacífica Áustria. A outra quer-se tipicamente britânica, mesmo tendo entre o seu elenco o nome de Philip Seymour Hoffman. Para lá disso, são duas propostas interessantes do cinema comercial em matéria de bom humor. E não é que fazem mesmo rir?

Se, por um lado, BRÜNO representa a mais recente bizarria cinematográfica de Sasha Baron Cohen - cada vez mais interessado em chocar, ainda que em nome da sátira deliciosamente vistosa e nada, nada politicamente correcta -, por outro O BARCO DO ROCK é o mais recente título da Working Title, desejoso de bisar o êxito de outros trabalhos cómicos como «O Diário de Bridget Jones», «Notting Hill» ou «O Amor Acontece».

No primeiro caso, o que temos? Uma visão muito pouco convencional sobre os meandros do mundo da moda e direito a mais uma «personagem-obsessão» de um dos mais interessantes e arrojados fenómenos do cinema comercial.

Sasha Baron Cohen é inclassificável, inteligente e muito convencido das suas potencialidades artísticas. É o actor a fazer-se passar por actor, o artista que se confunde com a personagem, numa perversão sem limites, como que a satirizar o método mais compulsivo de algumas estrelas.

Tal como em «Borat», aqui pouco se percebe onde acaba a ficção e começa a realidade em registo imprudente de apanhados. Sasha Baron Cohen está muito pouco interessado em desfazer as dúvidas. O que se sabe é que há uma persona para alimentar em nome de uma boa ideia.

E quem é este Brüno? Um homem da moda austríaco que decide ser estrela famosa em Hollywood. Para tal, começa por pensar que ser gay estridente lhe pode valer uns pontos na subida ao sucesso, filma-se nas suas tentativas para produzir um programa de celebridades e tenta copiar hábitos de figuras famosas, como adoptar uma criança africana. Mas esta descrição é redutora: a comédia, que foi êxito nos Estados Unidos, é muito mais diabólica e pouco condescendente com moralismos.

Brüno quer ser ousado e consegue-o, enquanto se diverte a desmistificar as incongruências de uma certa mentalidade norte-americana. Sasha Baron Cohen vai, por vezes, longe de mais, expõe-se e expõe o espectador ao embaraço. Quase sempre consegue fazer soltar uma gargalhada, noutras vezes limita-se a repetir números que já divertiam em «Borat».

Ou seja: a figura entra facilmente no registo da galeria de personagens marcantes de Baron Cohen, mas também representa um ponto-limite... Se continuar por este registo, rapidamente se desgastará e o efeito-surpresa pode estar comprometido. BRÜNO diverte, choca, embaraça, satiriza. Mas isso «Borat» também já fazia. Cabe a Sasha Baron Cohen reinventar-se outra vez no próximo projecto.

Num registo mais polido e preparado para agradar ao grande público, O BARCO DO ROCK quer ser uma homenagem à música e ao esforço meritório das rádios-pirata numa época em que os bons costumes gostavam de boicotar movimentos artísticos que rompessem com o estabelecido.

Esse recuar no tempo tem alguma graça e Richard Curtis é hábil na introdução de figuras.

O realizador de «O Amor Acontece» repete, contudo, o mesmo problema da sua obra anterior: tem dificuldade em construir uma história suficientemente sólida para se manter do princípio ao fim. Opta por relatos episódicos, gosta de dispersar-se pelas personagens, como que a evitar maior profundidade narrativa. Algo que eleva o humor, mas que penaliza o efeito global da história.

Ainda assim, o tom ligeiro e descomprometido torna O BARCO DO ROCK numa proposta agradável, das mais consensuais dos últimos meses. A vontade em expor hábitos de outros tempos e de brincar com personalidades mais libertinas também encontra eco no elenco mais cool da temporada: por aqui passam Bill Nighy, Philip Seymour Hoffman (a respirar de alívio dos seus desempenhos mais densos que viveu recentemente), Nick Frost ou Rhys Ifans. Até Emma Thompson faz uma perninha...

Do lado dos vilões, está um caricatural Kenneth Branagh, membro do Governo britânico que sonha em acabar com as rádios-pirata. Se o actor, por um lado, é exímio em ser ridículo com gosto, por outro este lado da autoridade é cansativo e mal explicado em todo o filme.

No entanto, O BARCO DO ROCK quer homenagear a música. E essa vontade em recordar temas de sempre, passando por nomes que vão de Otis Redding, The Beach Boys, Cat Stevens ou David Bowie, é meritória. Uma certeza: dá vontade de ir logo a correr comprar a banda sonora!

BRÜNO
De Larry Charles (2009)
* * *
O registo politicamente incorrecto continua e aqui Sasha Baron Cohen sente-se como peixe na água. A brincar à sexualidade, ao mundo da moda, aos falsos moralismos, à fama, tudo entra nesta bizarra jornada por uma América confusa com o seu glamour. Mas há ainda hilariantes jornadas pelo Médio Oriente e por África. Brüno pode ser demasiado estridente e cansativo, mas é também icónico e ousado. O tom do filme diverte, mas é também um sinal de que Baron Cohen precisa de inovar sob pena de cair em mais do mesmo.

O BARCO DO ROCK
De Richard Curtis (2009)
* * *
O espírito transgressor de quem se dedica à música moderna num tempo de conservadorismos é uma boa ideia. As memórias da rádio pirata são bem resgatadas e o feel good spirit é um bem necessário para o cinema de massas. Aqui, nada a dizer. A história diverte, as personagens também. Falta é alguma solidez em tudo isto... mesmo que a homenagem aos grandes nomes do pop-rock seja bem oleada.

OS MEUS POSTERS: O Cavaleiro das Trevas

2009-07-28T11:50:00.003+01:00

SOBERBA. Regresso à génese desta secção, que é mostrar cartazes alusivos de um filme que sejam mais do que isso. Neste poster pouco conhecido de O CAVALEIRO DAS TREVAS, consegue-se captar na perfeição a ironia da verdadeira alma (ainda que demoníaca...) deste filme. É também uma forma de lembrarmos Heath Ledger, numa das suas mais complexas e vorazes interpretações. Será que se pode chamar a isto obra de arte?

O meu amigo escritor

2009-07-27T11:12:00.004+01:00

INVEJA. «Toda a gente tem uma ideia para escrever um livro, a dificuldade está precisamente em passar da ideia para o livro. É preciso ganhar coragem para passar da inspiração para a fase da transpiração.» MIGUEL CARDOSO PEREIRA in A Bola

Na capa vem escrito Miguel Cardoso Pereira, mas para mim o autor de AMOR DOS BABUÍNOS será sempre o meu amigo Zé .

Ou melhor, o Zé é Miguel Cardoso Pereira quando se agarra às palavras, as articula numa preciosa mistura discursiva e as molda para dar forma a um confessional romance que não é mais do que uma visão profunda sobre o sentido do amor e da morte. Ou sobre a falta dele.

Quando a apetência se faz sobre o cinema e as suas imagens, li o livro do meu amigo Zé e foram novamente imagens que se formaram na mente, pela hábil capacidade em criar expressões de sentido figurado, metáforas inteligentes e muita ironia. Além de um romântico, Zé é também um observador atento das incongruências do dia-a-dia. O episódio no centro comercial com a avó ou os instantes de alienação no banco de uma sala da faculdade com uma «caneta para halterofilistas» mostram que por aqui as ideias fervilham.

Em AMOR DOS BABUÍNOS, a escrita não é totalmente fluída, impõe constantes travões pela melhor das causas: cada frase tem a postura imponente da singela poesia e o tom cortante das reflexões sobre a condição do ser humano. E o que queremos desta vida? Viver. Sentir na pele as marcas dos momentos que nos definem. Amar. Estarmos juntos.

É certo que na escrita do Miguel passa também aquele tom intimista, melancólico, triste dos que sofrem. Mas quem é que não sente o peso das contradições? Quem é que não tem receios? Ao deixar-se submergir nas vozes (e nos corpos) de um casal, que possuem muitos inícios e fins numa longa jornada sentimental, o Miguel expõe uma escrita madura, crua e muito segura de si.

Exemplos? «Tu, dentro de mim, és escuro, mas é o meu céu. Neste dia és o céu de todos os céus do planeta, ainda que sejas negro, sem luz por dentro, sejas dia sem luminosidade. Sejas um fogo que arde nas cinzas e não nas chamas. Não sei se quero ir, mas vou. Ou melhor: não vou, não é bem isso, não é propriamente uma decisão que tomo, não tenho idade para tomar decisões. As decisões são o contrário dos gostos. Um gosto não é uma decisão.»

Mais um? «A piada é que envelhecer tem destas coisas: cada ano que passa um estranho é mais estranho que antes. Quando eu era miúda, um estranho não estava tão longe como tu pareces estar. O crescimento impede que um estranho entre tão facilmente na nossa vida. Na meninice ninguém é estranho, é uma lei básica da inteligência.»

Mais sobre AMOR DOS BABUÍNOS

Demorei algum tempo a perceber que o meu amigo Zé era também o Miguel da escrita. Há surpresas boas como esta... No dia do lançamento do seu livro, o Miguel (que é também o meu amigo Zé) explicou que partiu a sua história em pequenos capítulos com datas, porque elas simbolizavam os pequenos fins ou começos que definem as nossas lembranças. Ou seja: a memória não é mais do que o filtro que nos remete para algo que começa ou acaba.

Pois bem, O AMOR DOS BABUÍNOS é um gigantesco começo para a vida do Miguel e do meu amigo Zé. É também um começo para quem o lê e o conhece de perto: sabe que este é o ponto de partida para algo muito maior.

ILUSÕES DE ÓPTICA: Lembrar Captain Blood

2009-07-18T21:10:00.001+01:00

Há piratas na Cinemateca!

2009-07-18T20:39:00.004+01:00

IRA. «Um casamento? Adoro casamentos... Há bebidas por todo o lado.» Jack Sparrow (Johnny Depp)

É uma questão de bom gosto. Já aqui falei em diversas ocasiões das vantagens de se ver um filme na esplanada. A Cinemateca insiste no óptimo ritual de Verão que, neste mês de Julho, é dedicado inteiramente aos filmes de capa e espada, a tradução possível para um género que fez história em Hollywood: o swashbuckler.

Para tal, recorda não só os clássicos de sempre - começou por exibir A Rainha dos Piratas, do excelente Jacques Tourneur - como o maior êxito moderno dentro deste género, capaz de tornar Johnny Depp numa super-estrela: caso de O PIRATA DAS CARAÍBAS: A MALDIÇÃO DO PÉROLA NEGRA, que está agendado para o próximo dia 25.

E o que prometem estes serões? Um calor motivado por aventuras, rebeldia e vontade em fazer uma forma peculiar de justiça. Há acção, duelos entre heróis e vilões e, especialmente, anti-heróis.

O bom gosto de quem agendou o ciclo «Piratas a Cores na Esplanada» faz com que se lembre, por exemplo, «No Reino dos Corsários», de George Sherman, que será exibido esta noite. Trata-se de mais um trabalho com o inevitável Errol Flynn, herói para toda a família que sai ileso de um género e enaltecido pela força do technicolor. Neste movimentado jogo de encruzilhadas, o duelo será com Anthony Quinn...

Lembra-se ainda «O Barba Negra», de Raoul Walsh ou «Tempestade na Jamaica», de Alexander Mackendrick. Neste excelente «baú de memórias cinéfilas», o melhor mesmo é consultar a programação completa para não se perder pitada. As noites prometem aquecer na Rua Barata Salgueiro.

Dar umas luzes aos irmãos Lumière (X)

2009-07-17T14:26:00.004+01:00

Caros irmãos Lumière,

É estranho o fado do cinema português. Nunca conseguiu recuperar o seu lugar mediático desde que o pequeno ecrã invadiu o quotidiano do povo. Antes, nos tempos áureos da rádio e do convívio de bairro, que é como quem diz no Estado Novo, havia o hábito de ir ao cinema e este nunca teve tanto peso como nesses tempos.

É certo que havia controlo, algum condicionalismo, mas havia graça, sátira e genuíno humor popular. Foi um raro momento (as décadas de 1940 a 60) de compatilidade entre o que se queria filmar e o que se queria ver. Pode dizer-se que era um cinema formatado, pouco criativo e até redutor. Mas a lógica e as barreiras são as que a televisão sofre no dia de hoje: a questão sobre o descontentamento dos produtos é facilmente contornada por quem manda com os níveis de audiência.

Mas será que o cinema deve ser como a televisão é hoje em dia? A meu ver, enquanto arte de apelo global, deve permitir todo o tipo de produtos. Desde os de apelo mais popular, fácil consumo, argumento menos arisco, até ao experimentalismo, produtos de nicho, que testem convenções formais e dramáticas. Só que em Portugal existe um problema: fazer um filme é caro e... não há dinheiro.

Esta constatação transpõe a indefinição do cinema português para o limbo dos critérios de atribuição de subsídios... Pode dar algum orgulho a vontade em apostar em projectos novos, arriscados, mas o cinema não se pode dar ao luxo de ser pensado de costas voltadas para o público.

Sim, neste momento, fazer um filme pode ser uma experiência de tal forma solipsista que até assusta! Há projectos que chegam às salas com 300, 400 bilhetes vendidos, o que é impensável para uma arte que se quer renovar.

E o público precisa de cinema! É por isso que se deve louvar quem consegue um equilíbrio entre arte e devoção pelo espectador.

Lembro-me disso a propósito de «Call Girl» de António-Pedro Vasconcelos. O filme é um novo caso de cinema maduro pela mão do mesmo realizador de «O Lugar do Morto», com uma intriga que tenta reflectir os receios de que o poder pode minar a consciência. Ao articular uma história policial com a corrupção de um autarca, e o jogo de sedução de uma prostituta de luxo, António-Pedro Vasconcelos cria um novelo inteligente, que tenta evitar (sempre que pode...) a mera caricatura, aproveitando ainda óptimos valores de produção, excelente fotografia e bons desempenhos.

Sentem-se por aqui estilhaços de «film noir», uma obsessão por uma mulher que até recorda «O Anjo Azul», de Josef von Sternberg, ecos de «Instinto Fatal». Soraia Chaves é o corpo de quem todos falam, mas é também a musa certa para um filme que encontra rapidamente o seu rumo.

Só é pena que para chegar às massas tenha de condensar no «trailer» todas as cenas de sexo e ousadia que se vislumbram no filme (a maioria bem filmadas, é certo). Mostra que há, por outro lado, uma incapacidade em tornar um filme rentável sem ceder às fórmulas básicas de sempre...

Para onde caminha o cinema português? Sem grande linha definida, lá se vai desenvolvendo à custa de projectos cujo critério de aprovação é dúbio. Mas há honrosas excepções: João Canijo, Marco Martins, Jorge Cramez, Mário Barroso, António da Cunha Teles, Joaquim Leitão e a dupla Tiago Guedes e Frederico Serra são sinais de esperança.

QUIZ: A que filme pertence esta imagem?

2009-07-14T21:22:00.003+01:00

Foi uma descoberta recente, apesar de ter uns bons aninhos que... se recomenda. É um hino à improvisação e a um certo cinema verité, só que em solo norte-americano. Alguém arrisca um palpite?

Solução do QUIZ anterior: Em todos os filmes participa Patricia Arquette. São eles Nicky, o Filho do Diabo, Estrada Perdida e Ed Wood.

CINEFILIA: As cinco promessas de Julho

2009-07-10T11:54:00.010+01:00

SOBERBA. Ainda se sente que este é mês de Verão, até porque chegam às salas novos trabalhos de Van Damme e Steven Seagal, várias obras de terror menor e até as inevitáveis sequelas, que continuam sem abrandar o ritmo, como é o caso do novo capítulo de Harry Potter e a terceira parte de «A Idade do Gelo». Ainda assim, há apostas a reter.

- ELEGIA: Sabe-se que mais vale tarde do que nunca, mas a questão aqui é perceber por que tardou tanto este filme a chegar às salas nacionais. As razões do interesse é o ponto de partida, um célebre romance de Philip Roth, e o duelo de actores. Diz-se que Penélope Cruz nunca foi tão intensa e Ben Kingsley só precisa de ser o que tem sido até agora, a roçar a genialidade. A relação proibida entre professor e estudante promete ser ousada e psicologicamente estimulante.

- A IDADE DO GELO 3 - DESPERTAR DOS DINOSSAUROS: Condescendência às sequelas, até porque a animação do brasileiro Carlos Saldanha costuma resultar pelo tom descomprometido e mordaz. Espera-se que a fórmula surja reforçada até pela entrada em grande dos dinossáurios. E assim constrói mais um êxito...

- HOME - LAR DOCE LAR: A proposta mais arriscada do mês. Isabelle Huppert dá força a esta realização de Ursula Meier centrada numa auto-estrada abandonada e na casa isolada que ali fica perto. A vida de quem lá mora será ameaçada com a abertura da via à circulação de viaturas.

- BRÜNO: Fã de «Borat» e outras bizarrias de Sacha Baron Cohen, é com particular atenção que se quer assistir a esta nova figura, o estilista gay austríaco que vai causar estragos no mundo da moda. O talento para misturar realidade e ficção deve ser a mais-valia deste novo trabalho de Larry Charles. Rir de tudo isto não tem mal nenhum. E há poucas coisas que ainda nos fazem mesmo rir...

- SÉRAPHINE: Martin Provost filma com sensibilidade a vida da francesa Séraphine de Senlis, mulher nascida em 1864 que foi pastora e dona de casa antes de se transformar em pintora e submergir-se na loucura. É a proposta europeia, independente e séria do mês... Os críticos vão adorar.

NA SALA ESCURA: A nova era do jornalismo

2009-07-06T12:10:00.008+01:00

AVAREZA. «Violámos a lei? - Não, a isto chama-se fazer grande reportagem.» Cal McAffrey (Russell Crowe)

Os tempos são outros e já há muito não se via uma tão interessante reflexão sobre o jornalismo e as suas causas. Quando a informação se encontra disseminada em blogues e as notícias disparam ao minuto, que espaço há para a grande reportagem?

No mundo real, este género jornalístico corre perigo de extinção, mas no cinema ainda dá azo a boas peripécias e preenche o propósito de mudar a ordem das coisas. Lembro-me disso ao ver LIGAÇÕES PERIGOSAS, boa adaptação de uma série televisiva britânica pela mão do mesmo realizador de «Touching the Void».

O que Kevin MacDonald alcança neste trabalho é a capacidade de construir um novelo narrativo sem ceder a lugares fáceis ou a mudanças de argumento que comprometam tudo o que foi construído antes. É certo que a fórmula já é conhecida: um crime misterioso, que envolve altas patentes, coloca um grande repórter no terreno. A verdade lá virá ao de cima, mas não se pense que tudo é previsível.

Neste ponto, há que olhar para o esforço de Russell Crowe em ser genuíno. O seu jornalista da velha guarda, Cal McAffrey, tem o faro apurado mas a incapacidade para ver com bons olhos jovens dinâmicos que dão resposta às necessidades da profissão de uma maneira que ele não consegue (nem quer conseguir por sentir que se está a desvirtuar a essência do jornalismo!). É uma personagem imperfeita, realista e com um «à vontade» desarmante.

O modo como Cal se envolve com as suas fontes também coloca em cima da mesa a necessidade de impor limites, mesmo que estes sejam flexíveis e, a espaços, ténues.

Além disso, LIGAÇÕES PERIGOSAS apresenta um cuidadoso punhado de personagens verosímeis e bem interpretadas. Seja a jovem jornalista de Rachel McAdams, a directora que pensa nas tiragens mais do que na isenção, vivida pela excelente Helen Mirren, o congressista dúbio de Ben Affleck ou o «todo-poderoso» de Jeff Daniels.

As cartas são lançadas com uma permanente noção de espectáculo e o filme nunca cede à monotonia. Mesmo quando a história dá uma viragem numa outra direcção, o espectador compreende à primeira a opção e deixa-se levar por uma narrativa que se quer tudo menos estática.

No final, e para lá de uma ou outra ponta mais mal cosida (e até de algum desapontamento face ao desenlace...), LIGAÇÕES PERIGOSAS cumpre os seus objectivos e faz pensar sobre o lugar do jornalismo nestes tempos de omnipresente ruído informativo.

Apesar disso, há uma estética retro neste trabalho que quer fazer crer que o protagonista vive em desadequação com o seu tempo.

Seja no velho carro que conduz ou no computador pesado em que trabalha, a figura do grande repórter de Russell Crowe é espessa e credível. O que torna ainda mais interessante a constatação de que o actor foi a segunda escolha. Tudo porque a ideia do filme era voltar a reunir a dupla Brad Pitt-Edward Norton depois de «Clube de Combate». Os dois nomes abandonaram a produção, mas, em troca, Crowe e Affleck dão bem conta do recado.

LIGAÇÕES PERIGOSAS
De Kevin MacDonald (2009)
* * *
Os que consideram que Russell Crowe é um canastrão sobrevalorizado vão ter de engolir em seco ao verem este interessante filme de suspense. Sim, ele está em grande e, em última instância, o que este trabalho nos quer mostrar é uma história dinâmica, um caso bicudo para resolver, um assassínio misterioso que mexe com altas esferas do poder. E consegue concretizar essa vontade com o fulgor que se pedia, óptimas personagens, diálogos secos e a destilarem ironia. Pode não ser revolucionário e muito inventivo, mas sabe as «linhas com que se cose». E nunca perde o seu tom de policial coeso por um momento. Mesmo que seja centrado no jornalismo, este trabalho pode não ser uma grande «cacha», mas é uma reportagem bem esgalhada.

OS MEUS POSTERS... Um Eléctrico Chamado Desejo

2009-07-04T19:51:00.002+01:00

INVEJA. O tom de abismo moral entre as personagens de Marlon Brando e Vivien Leigh deve ser recordado como um dos momentos maiores do cinema. Recordo-me deste grandioso trabalho de Elia Kazan, que é também a melhor adaptação para cinema de uma peça de Tennessee Williams, porque a RTP 2 teve o bom gosto de o exibir esta noite. Além disso, é também uma singela (e redutora) homenagem a Karl Malden, esse eterno grandioso actor secundário, que faleceu no passado dia 1. Além do seu Harold Mitchell deste clássico, há que lembrá-lo em «Há Lodo no Cais», «All Fall Down» ou «Nevada Smith». Até sempre!

OS SETE PECADOS DE... Junho 2009

2009-07-03T10:35:00.003+01:00

INVEJA. Junho foi mês de aniversário e de prendas de pendor cinéfilo. A mais impressionante foi um pack de DVD de Luis Buñuel, esse nome maior do cinema espanhol que levou para o ecrã histórias de forte carga dramática, ainda hoje capazes de impressionar. Amigo do surrealismo e com carreira feita a partir do México, o seu cinema prende o olhar. É o caso da sua versão de O MONTE DOS VENDAVAIS, uma adaptação que se quer muito fiel ao espírito literário da obra de Emily Brontë. Há um tom teatral em tudo, uma forma voraz de encarar os sentimentos e uma bela reconstituição de época.

SOBERBA. A Academia anunciou este mês que a próxima edição dos Óscares não vai contar com cinco nomeados para a estatueta dourada de Melhor Filme, mas com dez! Manobra comercial? Mais uma achega na desejada reforma para conquistar mais audiências? A justificação foi que a ideia é que a entrega de prémios regresse às suas origens, onde era norma ter uma dezena de candidatos ao mais ambicionado prémio. Consequência? As apostas tornam-se mais elevadas dado que, estatisticamente, será mais difícil de acertar à primeira. E desde «Crash», de Paul Haggis, que não há uma grande surpresa por aquelas bandas...

LUXÚRIA. Apesar de conhecer toda a carreira de Woody Allen, ainda existe um ou outro filme que me escapa. Se, recentemente, descobri o início dos inícios com «What's Up Tiger Lilly», caso de humor quase experimental e caótico, também em Junho me deparei com «Alice», deliciosa comédia sobrenatural, sobre uma mulher que está bem na vida mas infeliz. Para dar uma volta à sua existência e cometer o tão esperado adultério, a personagem de Mia Farrow decide consultar um especialista oriental em medicinas alternativas que lhe recomenda... umas ervas. É uma doce alucinação imperdível de Allen, um passo mais ligeiro na fase mais elevada da sua carreira.

IRA. Começa a cansar a moda das sequelas, prequelas e remakes do cinema. A estratégia dá certamente muitos frutos, mas fica-se com a ideia de que a sétima arte tem cada vez menos coisas novas. E o Verão é particularmente redutor neste ponto. Exemplos? «Wolverine», que é uma espécie de spin-off de «X-Men», «A Idade do Gelo 3», a nova vida para «Star Trek», «Exterminador Implacável: A Salvação» ou «À Noite no Museu 2». Socorro!

GULA. Já falta pouco para nos deliciarmos com a última produção da Pixar. «Up! - Altamente» parece que é uma delícia para os olhos, ainda mais com as potencialidades da técnica 3D.

PREGUIÇA. Estão cada vez mais monótonas e rotineiras as matinés de cinema dos canais em sinal aberto. Se não houvesse cabo e videoclubes, a oferta seria escandalosamente medíocre. Será que rende assim tanto usar sempre as mesmas fórmulas?

AVAREZA. As idas ao cinema têm sido escassas. Não é questão de poupança, é questão de falta de tempo... Espera-se que algo mude em breve.

ILUSÕES DE ÓPTICA: O peso dos sons

2009-07-01T07:28:00.001+01:00

O palco será sempre dele

2009-06-27T12:02:00.005+01:00

INVEJA. «Não gosto de música pop.» MICHAEL JACKSON

Há a música. Mas também há as imagens!

A morte de Michael Jackson é também a morte de um certa forma de espectáculo, quase impossível de repetir nos dias de hoje.

Com excepção de Madonna ou até, de uma certa forma dos U2, o mundo do showbiz já não permite uma escala de êxito tão desmesurada como esta, a de Michael, artista de corpo inteiro que sucumbiu ao lado perverso da fama.

A disseminação de conteúdos, a multiplicidade de plataformas, o ver e o ser visto criam artistas com uma longevidade mais reduzida, que já não vendem a «monstruosidade» de discos que Michael Jackson conseguiu vender.

Foi uma vida de excessos, de chegada ao topo demasiado cedo, de querer ser pioneiro em tudo, de fragilidades emocionais. O herói tinha pés de barro, era uma eterna criança que quis travar a máquina do tempo. Só que esta, inexorável como é, foi particularmente ingrata para com um génio de palco, capaz de criar uma música como ponto de partida para um momento cénico, um espectáculo, uma dança.

É irónico que o «eterno Peter Pan» tenha morrido aos 50 anos. Um número redondo, mas tristemente prematuro para quem era maior do que a vida.

Ao receber a notícia da morte de Michael Jackson apercebi-me disso mesmo: ele não morre. Não pode morrer. O seu nome está inscrito na cultura popular dos últimos 30 anos e ali vai ficar. Não vai morrer como não morreram Elvis, Freddy Mercury ou Kurt Cobain. O seu legado fala por ele.

Como já falava nos últimos dez anos. Afinal, desde que o século mudou que Michael já estava artisticamente morto, assumindo-se como uma sombra, um simulacro que vive à custa da sua condição de ícone cristalizado no tempo.

Para lá das polémicas, é da música que recordaremos. Do seu lado dinâmico, muito pouco discreto, contagiante, frenético. É a soul que abraça o disco sound, que entra pela pop adentro. É Thriller, Billie Jean, Bad ou Black or White.

Este tributo a Michael Jackson é também uma homenagem ao produtor, ao visionário. Jackson foi uma figura extraordinariamente importante no desenvolvimento de novas estratégias visuais. A filmagem em 3D, os efeitos especiais únicos, a capacidade de criar videoclips que eram verdadeiras curtas-metragens muitíssimo dispendiosas... e longas para a estrutura de um teledisco!

Michael Jackson teve o mundo a seus pés. Mas quem é demasiado grande rapidamente desaparece. O que neste caso é até secundário. O génio e o mito nunca estiveram tão vivos. A vida para um artista desta dimensão é só o começo...

Dar uma luzes aos irmãos Lumière (IX)

2009-06-23T11:52:00.003+01:00

Caros irmãos Lumière,

Apetece-me falar do western, esse género cinematográfico que se quer confundir com as próprias raízes norte-americanas, uma espécie de fado da essência cultural de quem manda no cinema.

É certo e sabido que, neste campo, o cineasta John Ford é o maior de todos. Não só por ter a carreira mais extensa, mas pela capacidade em ilustrar em belíssimos enquadramentos a dimensão humana de histórias que se perdem por paisagens áridas. A essência das aventuras do Velho Oeste resume-se quase sempre a uma missão - de natureza tão simples que até incomoda! - e das múltiplas tentativas para a concretizar.

Pelo meio há as convicções, os laços familiares, a amizade imponderável, os inimigos até ao fim, as perseguições agitadas. Um bom western é isto. É sentir-se o pulsar de quem desbrava caminhos, de quem ousa. E é talvez a intensidade da sua mensagem que matou o género. O datou num tempo, entendido como de glória.

Hoje, a grande maioria dos esforços para reabilitar o género não são mais do que simples simulacros de algo que já se fez. Há honrosas excepções e aí há que tirar o chapéu a Clint Eastwood e ao seu «Imperdoável», mas a nobreza desse filme estava precisamente na habilidade em perceber que se tratava de uma tentativa de ressurreição. Ao não querer revitalizar o seu património, limitando-se a aceitá-lo, Eastwood explica que ser-se veterano não é para qualquer um.

Há ainda outra característica forte do western: a sua essência dramática, que se faz de novelos narrativos quase telenovelescos. Mas no bom sentido do termo. Lembro-me disso ao ver «Homens Violentos» (1955), filme de Rudolph Maté.

Aqui, Glenn Ford quer ceder o seu rancho ao maior latifundiário da região, vivido por um apagado Edward G. Robinson, que, para mais, não consegue andar após um acidente. O facto de ser aleijado torna-o ainda mais prepotente e vítima de manipulação quer pela mulher (extraordinária e sempre cínica Barbara Stanwyck), quer pelo seu capataz.

O excesso de poder manifestado pelo vilão da história leva a personagem de Glenn Ford a mudar de ideias e a ficar na sua terra para lutar pela sua propriedade e o direito à independência.

É claro que nada disto será fácil e o rumo de «Homens Violentos» confunde-se com um imenso retrato de personagens desencantadas. Parece que ninguém tem nada a perder e por isso ousa viver no limite.

Aqui o óbvio destaque vai mais uma vez para o papel da mulher irascível vivida por Barbara Stanwyck. Diz-se que, muitas vezes, as mulheres são submissas no western. Aqui é o oposto: é ela a mais pérfida encarnação do mal. O que torna tudo mais interessante...

«Não me obrigues a lutar porque não vais gostar da minha maneira de lutar», alerta a certa altura John Parrish, o herói tímido de Glenn Ford. No western, os homens parecem ainda maiores. E dos fracos não reza a história!

QUIZ: O que têm em comum estas imagens?

2009-06-22T23:29:00.004+01:00

São casos de cinema excessivo, carregado nas expressões e no sentido de cinema fantástico. Mas não é essa a semelhança pretendida. É outra... Descobres qual é?

Solução do QUIZ anterior: os elementos fábrica, forca e óculos recordam Dancer in the Dark, de Lars Von Trier

O QUE AÍ VEM... A Fita Branca

2009-06-16T20:45:00.004+01:00

IRA. «Não existe uma só verdade, apenas a verdade pessoal.» MICHAEL HANEKE

É filmado a preto e branco, tem um tom glacial, e deixa-se embrenhar pelo ambiente da guerra.

Ao certo sabe-se ainda que A FITA BRANCA, a última obra do polémico Michael Haneke, regressa à Alemanha rural de 1913.

O espaço da acção é uma escola que é alvo de estranhos acontecimentos, naquilo que parece um ritual de punição.

Sempre habituado a lidar com a violência e a aproximá-la de outras questões mais elevadas, o realizador de «A Pianista» quer analisar com a argúcia de um psicólogo de que forma tudo isso afecta a rotina daquele espaço de ensino e até que ponto se cola tudo isto com o fascismo.

O tema é sério e filmado com aquela crueza que o cineasta já nos habituou em outras ocasiões. A sua câmara estilhaça angústias, que emergem silenciosas, ao mesmo tempo que o medo corrói.

Para ajudar há ainda uma dose de polémica, que acaba por engrandecer o trabalho. Recebeu a mais recente Palma d'Ouro de Melhor Filme no Festival de Cannes, mas a imprensa especializada - ou pelo menos parte dela... - ficou irada com a escolha face a outros títulos a concurso.

Explicações maldosas para a escolha discutível? A presidente do júri no certame deste ano foi a actriz francesa Isabelle Huppert, amiga de Michael Haneke, que a dirigiu implacavelmente em «A Pianista», filme que lhe deu há uns anos a Palma d'Ouro de Melhor Actriz.

No dia da entrega de prémios, Huppert surgiu de branco como que a antever que o resultado da noite já estava mais que certo. O cineasta chegou até a receber o prémio por A FITA BRANCA pelas mãos da própria actriz, quando tal não costuma ser habitual... Os ódios e as tricas no cinema chegam até ao local mais prestigiado de todos. Será que Cannes está cada vez mais parecida com Hollywood?

Efeito número 1 de tudo isto: não vou perder a obra polémica nem por nada. Até porque as obsessões de Michael Haneke são sempre motivo de redobrado interesse.

OS MEUS POSTERS: O Amor e a Vida Real

2009-06-15T22:36:00.001+01:00

GULA. Já se suspeitava que Steve Carell é um dos valores mais seguros da nova comédia norte-americana. Vê-lo ao lado de uma luminosa Juliette Binoche a tentar pôr cobro aos sentimentos, enquanto vê a sua unidade familiar posta em causa, é irresistível. O AMOR E A VIDA REAL não é daquelas produções densas, é antes uma hipótese para um retrato humano, uma jornada pelo amor quando já se é adulto e os cabelos brancos insistem em aparecer. O tempo passa e é bem passado nesta inteligente comédia de Peter Hedges.

Elogio da simplicidade

2009-06-11T16:25:00.005+01:00

AVAREZA. «Um caloroso elogio da amizade, do espírito de comunidade, da sociabilidade civilizada, dos rituais compartilhados que unem as pessoas e da unidade familiar.» Eurico de Barros in Cinema 2000

As melhores coisas são as mais simples. Até no cinema. Lembro-me disso quando vejo CHUVEIRO, cuja mensagem é precisamente a de enaltecer os pequenos nadas que formam a personalidade.

O prazer do convívio, a necessidade de nos sentirmos em família são mensagens universais que o realizador Zhang Yang soube decompor com as doses certas de integridade artística.

E de que nos fala este caloroso filme? Sobre o confronto entre tradição e modernidade, mas de um modo poeticamente singelo, com direito a breves reflexões sobre o que realmente interessa.

Um homem de pele enrugada e corpo seco pelo peso do trabalho parou no tempo. Juntamente com o filho mais novo, que possui atraso mental, dirige um balneário inserido numa pequena comunidade que resistiu até agora à transformação cosmopolita de Pequim.

Neste espaço, o tempo pára e um rol de personagens que se conhecem como a palma da mão usam o ritual do banho público não só para limparem o corpo como também o estado de espírito.

No local, há episódios cómicos que preenchem a história e lhe dão a vivacidade precisa para ser maior. Seja o par de idosos que se insulta diariamente mas que não consegue viver sem a respectiva companhia, o jovem tímido que só ousa soltar a sua voz de rouxinol quando está no banho, ou o casal que recupera a líbido, com uma ajudinha do mestre dos banhos públicos.

A vida dá nova volta quando o filho mais velho, que se havia retirado para a grande cidade em busca de sucesso, regressa a casa preocupado com o estado de saúde do pai. Falso alarme, mas ainda assim o suficiente para se perceber que aquele que saiu à procura do êxito é um estranho. Não só para quem usa o balneário como para o próprio pai e irmão.

Haverá tempo para inverter esta situação? Claro que sim, até porque Zhang Yang não quer falsas surpresas que comprometam a vida destas personagens. CHUVEIRO é caricatural e até previsível, mas só no lado bom destes conceitos.

Os afectos ganham peso de dia para dia, na mesma certeza como os banhos públicos abrem as suas portas para quem quiser limpar o peso da vida quotidiana. A paz tem morada certa em nome de uma tradição que aqui se debate com o futuro massacrante.

A dualidade pode parecer primária e simplista, mas a mensagem deste filme não o é. CHUVEIRO (estreado em 1999, com o título original Xizao) respira relações humanas e «limpa» tudo o que é supérfluo. Só fica aquilo que importa: as coisas simples.

Dar umas luzes aos irmãos Lumière (VIII)

2009-06-10T10:50:00.005+01:00

Caros irmãos Lumière,

Da recente viagem que fiz à Grécia apercebi-me que o país ainda tem grande tradição de sessões de cinema na esplanada, em particular nas suas ilhas. O ritual deu-me saudades e alguma pena por pensar que, com excepção da Cinemateca no Verão, contam-se pelos dedos de uma mão as experiências semelhantes por cá.

Ver cinema ao ar livre é outra coisa. Coloca a brisa da noite como personagem secundária do filme que estiver a dar, enaltece o espírito de experiência colectiva e até permite, em muitos casos, ceder aos vícios de uma bebida ou de um cigarro.

Resumindo: aligeira o acto, sem lhe retirar o mínimo de autenticidade. É certo que para se ver cinema ao ar livre tem de se escolher a noite, período por excelência para a contemplação. Não só porque o luar se assume como a luz perfeita de fundo, mas também porque esta é a altura indicada para digerir as experiências acumuladas durante o dia, além do silêncio. A noite traz consigo o silêncio retemperador que também possibilita mais concentração.

Experiências positivas ao ar livre? Ver A MÚMIA, de Karl Freund, nunca foi tão divertido. Até porque obras ligeiras parecem mais elevadas neste tipo de sessão. O próprio Boris Karloff, apesar do rosto sisudo, combinou bem com as estrelas de um serão soalheiro.

Houve também «Big Fish», esse conto sobre a própria arte de contar um conto que a mão engenhosa de Tim Burton converteu em fantasia intimista; ou «Avanti!», a obra que respira Verão por todos os poros de Billy Wilder, com Jack Lemmon a enterrar um corpo e a soltar o seu numa soalheira e pitoresca Itália.

Vivências deste tipo não se esquecem. Os filmes parece que ficam ainda mais entranhados na retina. Por isso soube bem perceber que ainda há grande tradição do cinema ao ar livre por esse mundo fora. Que tal voltar ao hábito por terras lusitanas?

NA SALA ESCURA: Culto ressuscitado

2009-06-07T12:54:00.007+01:00

SOBERBA. «Live long and prosper.» SPOCK (Leonard Nimoy)

É um bocadinho irritante constatar que o cinema está cada vez mais sem ideias. Ou melhor: percebeu-se que é mais fácil alcançar o êxito, capaz de pagar as contas, se se for repescar um clássico de outros tempos ou inventar uma sequela menor para uma história que já terminou algumas vezes.

Na semana em que se estreou o novo capítulo de «Exterminador Implacável», fui ao cinema ver finalmente o que o criador de «Perdidos» fez com a saga «Star Trek». Com uma agravante: sempre vi as peripécias da nave Enterprise com algum distanciamento, projecto menor face a outros como o «Espaço 1999» ou «A Guerra das Estrelas».

O que me incomodava particularmente era o culto desmesurado perante um projecto que, a meu ver, não o justificava.

Engoli em seco e lá assenti perceber como é que Mr. Spock e companhia chegavam aos tempos de hoje, depois de uma série de filmes pouco expressivos na década de 90. Basicamente era o tudo ou nada na tentativa de reabilitar a saga, mas Hollywood costuma dar-se bem quando parece que o projecto só consegue segurar-se à custa de electrochoques.

E foi o que aconteceu aqui. STAR TREK é um trabalho certeiro por optar em mostrar como tudo começou e, assim, não só se contentam os fãs como os potenciais admiradores da geração de 90. Mas, mais do que isso, o filme possui uma dinâmica imbatível, descarta qualquer tipo de tempo morto e ainda se diverte a refazer chavões e a convocar glórias do passado - até Leonard Nimoy faz uma perninha numa inventiva distorção temporal.

A acção surpreende o olhar, mas sem ser desmesurada. Há até um tom kitsch que reabilita as imagens e os sons de uma certa ficção científica cristalizada no tempo. Depois, os novos actores requisitados, são apostas sólidas apesar de praticamente desconhecidas, com particular destaque para o novo Mr. Spock (Zachary Quinto).

A surpresa é ainda maior quando se vê Winona Ryder num pequeno papel. Sabe bem recordar a actriz, que veio dizer à revista «Empire» que sentiu esta pequena participação à semelhança - e salvo as devidas distâncias! - da de Marlon Brando no primeiro «Superman».

A saga STAR TREK está viva e os números entusiasmantes nas bilheteiras deixam adivinhar sequelas até mais não. O mérito está na realização descomplexada de J. J. Abrams, um dos nomes a reter no futuro. O novo cinema comercial passa por ele. E se tiver sempre a leveza e o sentido de divertimento deste filme estará em boas mãos.

STAR TREK
De J.J. Abrams (2009)
* * *
Quando se quer reabilitar uma saga nada como baralhar e dar de novo, regressando-se às origens. Foi o que Christopher Nolan fez com Batman e é o que J.J. Abrams escolheu para STAR TREK. Assim, percebemos as circunstâncias do nascimento de Kirk, a sua entrada na Academia Starfleet, o seu antagonismo e posterior amizade com Spock e as batalhas contra os Romulanos. Entre o impulso de Kirk e a racionalidade de Spock, constrói-se uma divertida e enérgica acção que tenta justificar as suas opções em nome do bom espectáculo. Não pede para ser levada muito a sério, tem fragilidades como a presença caricatural de Eric Bana enquanto vilão, mas lembra outros tempos. Actualizados com engenho sem perderem a frescura.

ILUSÕES DE ÓPTICA: Até sempre, David Carradine

2009-06-05T13:53:00.001+01:00

CINEFILIA: As cinco promessas de Junho

2009-06-05T13:22:00.011+01:00

SOBERBA. Já começaram a estalar as estreias de Verão que, até ao momento, e com excepção do divertido «Star Trek», pouco têm surpreendido. Este mês, há mais títulos fortes, mas há projectos mais pequenos que convém prestar atenção.

- RUDO E CURSI: É o reencontro de Gael García Bernal e Diego Luna, dupla que descobriu os prazeres da carne no impecável «E a Tua Mãe Também». De novo no México, os dois sonham poupar dinheiro para construir a casa de sonho da mãe. Acabam jogadores de futebol profissionais, com o lado bom e mau dessa opção. Vale pelo tom latino da trama e promete contentar os adeptos do desporto, já a ressacar pela longa temporada estival.

- LIGAÇÕES PERIGOSAS: Russell Crowe, Ben Affleck, Helen Mirren, Jeff Daniels, Robin Wright Penn e Rachel McAdams. Um elenco à prova de bala num elogiado filme policial que se baseia numa mini-série da BBC. Diz-se que o tom da investigação é profundo e que Russell Crowe volta a impressionar. A ver vamos. É do mesmo realizador de «O Último Rei da Escócia».

- EXTERMINADOR IMPLACÁVEL - A SAlVAÇÃO: Sejamos claros, só os adeptos da saga original devem arriscar ir ao cinema ver este ruidoso filme. Ponto alto? Christian Bale, que cada vez mais sabe o que quer no cinema. Ponto menos bom? O realizador McG, sim esse que tem nome de rapper e que nos deu esse filme sofrível que é «Os Anjos de Charlie». E não é que já se ouvem elogios um pouco por todo o lado?

- DUPLO AMOR: O promissor cineasta James Gray faz uma pausa nos filmes de gansters e aproxima-se da comédia romântica. Espera-se que seja sensível. Pelo menos Joaquin Phoenix (antes de se ter passado da cabeça...) e Gwyneth Paltrow são bons augúrios.

- COCO AVANT CHANEL: A moda dos biopics continua. Agora é a vez da doce Audrey Tautou fazer-se ao Óscar interpretando Coco Chanel, a figura que revolucionou o mundo da moda.

OS MEUS POSTERS: Up - Altamente!

2009-06-02T22:33:00.003+01:00

GULA. A cartada da Pixar para esta temporada também se avizinha um delírio para os olhos e uma referência em matéria de argumento. Não só é já um êxito de bilheteira, como os aplausos se multiplicam um pouco por todo o lado. É caso para dizer que os produtores de «Toy Story» e «À Procura de Nemo» não falham uma. E continuam a fazer magia e a levar o espectador a contar as horas para ir ver o mais recente trabalho. «Up - Altamente!» parece ser o filme perfeito para toda a família. No melhor sentido do termo.

Os Sete Pecados de... Maio 2009

2009-06-01T17:36:00.003+01:00

SOBERBA. Acabadinho de chegar de umas férias pelas praias gregas, de que me apetece falar? Da Grécia, propriamente dita. Da sua história, dos seus filósofos, das suas praias, dos seus contrastes, da sua arte para desenrascar, da sua gastronomia, dos seus barcos. Há uma frescura neste país que contagia. Mais nas suas ilhas (Creta, Santorini, Myconos) do que propriamente na velha Atenas desajustada e suja. O património artístico também é de lembrar, mas neste momento até dá vontade de ir finalmente ver os encantos do megaêxito MAMMA MIA!. Tudo porque se passa nas belas paisagens de Santorini - o ponto alto desta viagem retemperadora.

GULA. Pelo caminho, em Madrid, dei uma espreitadela à Fnac e descobri que há mais edições de coleccionador lá fora do que por cá. Descobri uma de «Pulp Fiction», que inclui lenço alusivo ao filme; outra de «Tróia», carregada de extras. Mas o achado maior trouxe-o comigo: uma edição dupla de «La Dolce Vita» por 6 euros, com uma longa entrevista a Fellini a preencher o segundo disco. É certo que só tem legendas em castelhano, mas custa-me comprar a versão portuguesa da Costa do Castelo, que é quatro vezes mais mais cara - esta é, provavelmente, a editora mais inimiga das promoções.

INVEJA. Finalmente há uma Palma d'Ouro nacional no Festival de Cannes. O mérito foi de João Salaviza que, com «Arena», trouxe para casa o prémio principal na categoria de curta-metragem. Trata-se da história que se estende por apenas 15 minutos de um jovem em prisão domiciliária. Esperemos que a exibição nacional não demore!

PREGUIÇA. Maio foi um mês sem idas ao cinema. Algo que entristece mas que também é sintomático do número de poucas estreias realmente capazes de arrastarem alguém com pouco tempo disponível para a sala escura. Ainda assim, nem a nova versão de «Star Trek» consegui descobrir.

IRA. A morte de Bénard da Costa empobreceu o cinema. Por mais críticas que se lhe fizessem, amou a sétima arte como poucos. E um pouco dela desapareceu com ele no passado dia 21.

LUXÚRIA. A descoberta do mês vai para um western discreto, mas muito forte no modo como eleva a cobiça. Um tesouro grandioso descoberto por Dutch (Glenn Ford) vai levá-lo ao cúmulo da desgraça. Até o seu grande amor, que na verdade é casada, sonha com a sua destruição e quer apenas o seu dinheiro. «Oiro Maldito» tem os ingredientes certos, mas acima de tudo uma presença feminina que vai mais longe do que é costume. A personagem de Ida Lupino coloca a ganância num patamar demasiado elevado. Nada disto pode acabar bem...

AVAREZA. A realização de Ryan Fleck é tão assombrosa na sua contenção em «Half Nelson - Encurralados» que até assusta. No entanto, este filme sobre personagens perdidas só funciona porque há uma força da natureza chamada Ryan Gosling. É um filme sobre a arte de ensinar mas representa quase uma antítese do moralismo de «O Clube dos Poetas Mortos». A vida real não tem graça!

ILUSÕES DE ÓPTICA: Homenagem a Bénard

2009-05-22T00:13:00.000+01:00

Adeus, Sr. Cinemateca

2009-05-21T23:56:00.005+01:00

INVEJA. «João Bénard da Costa viu muitos filmes, todos os filmes, uma vida inteira de filmes, mas também via sempre filmes que mais ninguém via, porque neles descrevia o que lá estava e não estava, isto é, aquilo que não era aparente e óbvio antes de o lermos nos seus textos.» in nota da Cinemateca

Morreu o «sr. Cinemateca».

Um daqueles símbolos sobre como vale a pena defender o cinema. E como ele foi maltratado no nosso país... Se o Museu do Cinema é a jóia que é hoje deve-o à figura que amava «Johnny Guitar» como ninguém e que explicava o que se escondia para lá das imagens nas folhas A4 distribuídas entre sessões.

Graças a ele olho para «O Retrato de Dorian Gray», de Albert Lewin, de uma forma diferente. Ou para «As Duas Feras», de Howard Hawks.

João Bénard da Costa (1935-2009) faz falta. Mesmo que o cinema continue. O ex-director da Cinemateca procurava transpor em palavras o que os olhos vêem e não esquecem. E contextualizou muitos dos filmes da nossa vida.

QUIZ: Estes elementos lembram que filme?

2009-05-20T19:12:00.009+01:00

Um desafio segundo um modelo já testado. É mais fácil do que parece... Pelo menos para quem se lembrou dele. É. Costuma ser sempre mais fácil para quem sabe desde logo a resposta.

Solução do QUIZ anterior: O Pântano, da argentina Lucrécia Martel.

O MAIOR PECADO DE... Walter Salles

2009-05-20T18:40:00.006+01:00

PREGUIÇA. «O estimado realizador brasileiro Walter Salles cai de frente na sua primeira saída por Hollywood com um filme de terror que aborrece até às lágrimas» COLESMITHEY.COM

Ninguém entende o que se terá passado pela cabeça de um dos mais inteligentes e criativos realizadores do novo cinema brasileiro. À primeira tentativa para impressionar Hollywood, um espalhanço de todo o tamanho. Houve até quem receasse que os créditos ganhos com obras tocantes como «Central do Brasil» ou «Diários de Motocicleta» pudessem ficar comprometidos.

Mas não: Walter Salles viu-se obrigado a repensar a carreira e regressou ao território seguro do Brasil de contrastes para produzir o valioso «Linha de Passe». O que se passou mal com ÁGUAS PASSADAS? Tudo, ou quase.

É certo que há uma tentativa por criar uma atmosfera de terror e há ainda o peso pesado que é Jennifer Connelly e os seus olhos claros. De resto, apenas uma nova versão de um filme de terror oriental, igual a tantos outros.

A moda de repescar obras negras asiáticas e dar-lhe um tom de Hollywood, raramente corre bem - OK, há uma excepção de peso: «Entre Inimigos» de Scorsese, mas isso só confirma a regra.

Uma mãe tenta refazer a sua vida depois de um divórcio. Mas há estranhos fenómenos a acontecer na nova casa... Pois, a premissa também não ajuda.

Sabe-se inclusivamente que o próprio Walter Salles não apreciou o resultado final e queixou-se que os produtores lhe adulteraram a montagem final. Pode até dar-se o benefício da dúvida. De resto, é apenas um filme que quer meter medo e não consegue.

Tem um bom tratamento de imagem, alguns planos inventivos, um elenco secundário que não compromete (John C. Reilly, Tim Roth, Pete Postlethwaite). Mas tem também uma vontade forçada de chegar ao seu término, que quer ser surpreendente, e muitos pontos fracos. A «retalhada» na montagem deve ter sido mesmo grande, porque não se vislumbra o dedo criativo do realizador brasileiro...

Críticas de fugir:
- JOÃO LOPES: A estrutura vai-se decompondo em fáceis mecanismos de «suspense», como se se tratasse apenas de «adiar», por qualquer preço, o desenlace.
- MTV: ÁGUAS PASSADAS afunda-se no peso da sua até cómica previsibilidade.
- BBC: É um falhanço enquanto filme de terror.
- VILLAGE VOICE: Falha na tentativa de criar o efeito-surpresa do twist narrativo que a sua base permitia.

NA SALA ESCURA: Crescer com barreiras

2009-05-17T16:14:00.008+01:00

IRA. «Algumas pessoas chamam-nos racistas. Não somos racistas! Somos realistas!» LENNY (Frank Harper) em Isto é Inglaterra

A infância, quando se aproxima da adolescência, é já um período de convulsão. E é também um momento em que a absorção da realidade circundante se opera de uma forma particularmente evidente.

Estreados há umas semanas nas salas nacionais, eis dois excelentes casos que pensam essa etapa da vida no meio de duas realidades sociais distintas - quer geográfica, quer cronologicamente - e, com isso, configura interessantes pontos de vista sobre a formação da identidade.

De um lado temos os anos 80 num «Reino pouco Unido» em ISTO É INGLATERRA, de Shane Meadows; do outro, mais um exemplo do novo cinema brasileiro que se vinca nas desigualdades urbanas, mas sem miserabilismos comprometedores: o oportuno LINHA DE PASSE, de Walter Salles.

O primeiro é um precioso trabalho, quase documental, sobre uma década de clivagens, quer políticas, quer artísticas. No meio de uma Inglaterra dilacerada pela Guerra das Malvinas, uma criança (verdadeira revelação que é Thomas Turgoose) aproxima-se de um grupo de amigos mais velhos que lhe alteram o visual e as convicções.

Daí, entra-se numa perigosa jornada ideológica, com a entrada de um grupo de personagens nacionalistas extremas - sim, skinheads! - que lhe deformam o pensamento e o levam a pensar que o país não se compadece com estrangeitos «inaptos».

Ao aliar o despertar da adolescência com reflexões sobre o racismo, Shane Meadows consegue mostrar personagens à procura de um rumo sem ceder a facilitismos sentimentais.

Além disso, ISTO É INGLATERRA olha para os anos 80 já com um adequado distanciamento, quase documental, e traz consigo uma pulsão interna que acabará por «rebentar» no momento-chave do filme, caso de terror psicológico muito bem elaborado.

O cinema é aqui maduro, inteligente e ávido por pensar as pessoas. Coisa que LINHA DE PASSE também faz, mas numa lógica totalmente diferente.

Passado num dos múltiplos bairros pobres de São Paulo, este filme quer colocar o olhar do espectador dentro de uma casa sem meios, mas digna. Digna no seu esforço de sobrevivência quando nada ou muito pouco se tem.

Cleuza (Sandra Corveloni, Palma d'Ouro de Melhor Actriz no Festival de Cannes) é a mãe esforçada de quatro jovens, que vivem todos numa apertada casa de paredes escuras. O mais velho distribui encomendas, o segundo vive entre o trabalho num posto de combustível e a fé numa das igrejas que testam o fanatismo, o terceiro sonha ser jogador de futebol e o mais pequeno, preto, vive entre a escola e a vontade em conduzir um autocarro.

As aspirações convivem diariamente com a contrariedade, o vício e a violência. Mas o realizador Walter Salles (a meias com Daniela Thomas), que já nos deu algo de muito bom como «Diários de Motocicleta» ou «Central do Brasil» e algo de mau como «Águas Passadas», está interessado em evidenciar este punhado de personagens segundo a lógica do dia-a-dia, numa vida feita de bons e maus momentos.

Se Cleuza sucumbe muitas vezes ao cansaço e à incapacidade de gerir uma casa onde não existe um pai (na verdade, percebe-se que haverão vários...), por outro há ainda vontade em manter a união e empatia familiar.

LINHA DE PASSE termina em aberto, num instante em que as vidas dos quatro filhos se encontram em momentos-chave. Será que vai dar certo? Ou é a entrada no abismo? No fundo, um teste ao optimismo do espectador, embrenhado numa realidade brasileira que é anti-telenovela.

O que ISTO É INGLATERRA e LINHA DE PASSE têm em comum é mostrarem a dificuldade que é o crescimento. Que engrandece quando se ultrapassam os obstáculos.

Outra crítica de ISTO É INGLATERRA aqui

ISTO É INGLATERRA
De Shane Meadows (2006)
* * * * *
Chegou atrasado este importante filme independente, que pensa a adolescência, mas também a realidade política do Reino Unido dos anos 80. Além disso, expõe as personagens ao estilo e à cultura de uma década que muitos vêem como «maldita». Muito bem dirigido, é um manual sobre a formação da identidade ou a difícil arte em perceber em que lugar se deve estar neste mundo. Seja fisica, seja ideologicamente.

LINHA DE PASSE
De Walter Salles (2008)
* * * *
De repente, nota-se uma enchente do novo cinema brasileiro nas salas nacionais. E ainda bem. Apesar de tematicamente poder ter semelhanças com Cidade de Deus, este retrato familiar vai mais longe. Não há aqui tantas pretensões a nível de moldura social, mas apenas uma forma de conceber a rotina familiar na favela. Com alma verdadeiramente brasileira, o filme é belo plasticamente e filma o futebol de um modo apaixonado. O Brasil é isto!

ILUSÕES DE ÓPTICA: Chaplin e o som

2009-05-12T00:13:00.002+01:00

O QUE AÍ VEM... Los Abrazos Rotos

2009-05-11T23:49:00.002+01:00

AVAREZA. «O cinema pode preencher os espaços vazios da tua vida e da tua solidão.» PEDRO ALMODÓVAR

Quem não tem saudades de mais uma história de cordel contada pela câmara sensível de Almodóvar que levante o braço.

Ausente desde «Voltar», o cineasta espanhol voltou a convocar a sua nova musa, Penélope Cruz, que deve aparecer novamente esplendorosa, até de cabeleira loura para ser a alma de LOS ABRAZOS ROTOS.

Depois de perder a visão e o amor da sua vida num acidente de carro, um homem vive na obscuridade. É assim que começa mais um conto desencantado, com o realizador espanhol novamente atento aos meandros da sensibilidade.

Ao que parece, são quatro histórias que se imbricam, daquelas de pais e filhos quase à maneira de uma telenovela, que Almodóvar eleva pela sua extraordinária veia dramática e câmara hábil.

É já um dos favoritos para a edição do Festival de Cannes que está aí a estalar. Já às salas nacionais só chega no fim do Verão.

NA SALA ESCURA: A arte precisa de vida

2009-05-10T15:53:00.005+01:00

SOBERBA. «O que faria eu com algo de valor?» Éloïse (Isabelle Sadoyan)

Já se fizeram livros e mais livros cujo único propósito é tentar explicar o que é, afinal, uma obra de arte. O que a define? Qual é a fronteira entre o valioso e o puro lixo? Arte implica vida, assombro, emoção, teste aos sentidos. Mais do que ser belo tem de se ser autêntico e, de preferência, único.

Mas a subjectividade inerente à estética faz com que uma obra de arte seja tanto alvo de adoração como de ódios.

O bom trabalho que é TEMPOS DE VERÃO, filme francês com passagem muito discreta pelas salas nacionais, pensa mais do que o conceito de obra de arte, a sua utilidade.

A conclusão, embrenhada num drama familiar que também reflecte sobre a morte, é poderosa: a obra de arte tem de ter humanidade e esse toque perde-se quando a mesma se encontra exposta num museu.

Para sermos mais claros: uma peça num museu está como um ser humano em cima de um palco. Há uma elevação, um lado contextual que cria também uma certa aura artificial, capaz de enaltecer as qualidades e ocultar os defeitos. Há uma contextualização e, num certo sentido, um vazio. Porquê? Porque não está envolvida no contacto humano, está como que desprovida do seu sentido, ainda que enaltecida.

A desfazer as dúvidas, este precioso filme, encomendado pelo Museu d'Orsay, explica as preocupações de uma matriarca em querer que os seus objectos de valor não desapareçam após a sua morte. Os três filhos querem que a mãe não pense nisso, mas quando a morte chega, imprevisível mas com a sua marca incontornável (paradoxo sumarento...), começam também as clivagens entre eles. A partilha obriga à cisão.

E é aí que a obra de arte passa para o outro lado, o acertado para não se perder, ou seja o do museu, mas também desaparece a autenticidade que a define.

No meio, há um melodrama ténue que conquista pela reflexão em torno da perda.

TEMPOS DE VERÃO
De Olivier Assayas (2008)
* * *
Uma enorme família é obrigada a repensar-se após uma morte. Assuntos mal resolvidos emergem na mesa das negociações sobre o passado e os afectos. Três irmãos têm de viver na pele as partilhas do património familiar. Os actores são excelentes, o drama é sentido. É certo que a acção não se consegue desprender totalmente, que há uma linearidade demasiado contida. Mas há também um belo retrato humano que se joga com a noção de obra de arte. Momento alto? O instante em que a empregada da mansão leva consigo uma peça valiosa, pensando que escolheu a mais superficial e tosca de um imenso conjunto. É nestas pequenas subtilezas que encontramos a verve de Olivier Assayas, aqui num dos seus mais singelos exercícios.

CINEFILIA: As cinco promessas de Maio

2009-05-07T11:07:00.006+01:00

SOBERBA. Não se pode dizer que seja um mês rico em estreias mais comerciais. Sim, é o mês do regresso de «Star Trek» e de «Anjos e Demónios», filme que previsivelmente vai arrasar a concorrência. Mas há bons sinais quanto a filmes de cariz mais independente e cinema do mundo.

- A CIDADE DOS HOMENS: É uma tendência interessante de analisar. No espaço de um mês chegaram às salas três títulos fortes do novo cinema brasileiro. É de aplaudir o esforço... Este título vem com dois anos de atraso, já esteve para estrear-se antes, mas agora é que é. No fundo, é a passagem de uma célebre série da Rede Globo para o grande ecrã e mais uma análise sobre a difícil vida nas zonas mais pobres das grandes cidades.

- STAR TREK: É outro dos títulos fortes deste Verão cinematográfico. Vai ser curioso analisar até que ponto a saga resistiu ao tempo e está pronta para nova vida. A ficção científica está mais avançada. Será que o futuro de Star Trek é passado? O realizador J.J Abrams costuma ser competente e os valores de produção envolvidos são de assinalar. Vale pelo saudosismo.

- SUJIDADE & SABEDORIA: Diz-se que é uma desilusão, mas o projecto desperta a curiosidade. Trata-se da estreia de Madonna na realização e na escrita de um argumento e logo numa comédia dramática, centrada em Londres.

- HISTÓRIAS DE CAÇADEIRA: Caso exemplar do novo cinema independente norte-americano, cheio de boas intenções. Com os campos de algodão e as estradas pequenas do Sudeste do Arkansas como pano de fundo, dois meios-irmãos defrontam-se após a morte do pai. Retrato violento de laços de sangue divididos.

- CADA UM O SEU CINEMA: Tardou mais foi... A propósito dos 60 anos do Festival de Cannes, 33 cineastas de 25 países pensam o cinema. Obra importantíssima, porque aglutina muitas das mais sensíveis formas de filmar. Quem passa por aqui? Desde os irmãos Coen a David Cronenberg, passando por Takeshi Kitano, David Lynch, Nanni Moretti, Gus Van Sant, Wim Wenders, Alejandro González Iñarritú, Lars von Trier, Bille August, Atom Egoyan ou Roman Polanski. Sim, Manoel de Oliveira também cá está.

OS MEUS POSTERS: Inglorious Basterds

2009-05-06T11:50:00.002+01:00

IRA. Espera-se muito do novo filme de Quentin Tarantino, que vai reunir-se a Brad Pitt e a Eli Roth. Seguirá o mesmo estilo inconformado de sempre ou irá desprender-se dele? INGLORIOUS BASTERDS é um filme de guerra que promete ser áspero e rude, ou não seguisse os passos de um grupo de soldados americanos judeus que dizima tropas alemãs na Segunda Grande Guerra. Nem que seja com tacos de basebol... Sabe-se que Samuel L. Jackson será o narrador de tudo e que a polémica não deve tardar.

Os Sete Pecados de... Abril 2009

2009-05-05T11:52:00.003+01:00

LUXÚRIA. O DVD continua a permitir descobrir filmes que, de outro modo, seria muito difícil encontrar para lá de algum ciclo discreto da Cinemateca ou de uma ou outra exibição mais arrojada da RTP 2. Foi assim que me deparei com O MEDO, filme de tensão psicológica de Roberto Rossellini, aqui a dirigir uma angustiada Ingrid Bergman. Depois de trair o marido, uma mulher abastada começa a ser chantageada pela ex-companheira do seu amante. Interessante jogo de tensão, com Bergman à beira da loucura. Apesar de não ser o filme mais citado da carreira de Rossellini, ajuda a perceber o seu estilo e a sua vontade em aproximar-se dos rostos dos protagonistas.

AVAREZA. Retratar os contrastes de um Brasil suburbano, sem cair em moralismos fáceis, é o que consegue Walter Salles no seu interessante «Linha de Passe». A história de uma mãe solteira que luta para criar os seus quatro filhos é tocante e rodada com particular engenho também em matéria de enquadramentos e boa fotografia. Algum defeito a apontar? A discreta passagem pelas salas.

INVEJA. O IndieLisboa foi, mais uma vez, um êxito. Indiferente a qualquer crise, mostrou capacidade em levar a cabo nova edição, com um tom cada vez mais profissional e uma oferta inabalável. O Grande Prémio de Longa-metragem foi para o norte-americano «Ballast». Terá exibição comercial?

PREGUIÇA. Numa ida recente ao Monumental passei pela loja da Medeia Filmes no piso de cima. Há posters, DVD da Atalanta Filmes, camisolas e revistas. A oferta agrada, mas a apresentação nem por isso. O espaço continua com um ar quase amador. Bem, mas sempre vim com uma camisola de «Eraserhead», de David Lynch, debaixo do braço. A veia cinéfila fala sempre mais alto...

GULA. Como paródia à ficção científica e apetite para os olhos dado o aprumo da técnica 3D, «Monsters vs. Aliens» é o rebuçado animado do mês.

SOBERBA. A época dos blockbusters está a chegar. O primeiro passo foi dado por «Wolverine» e as bilheteiras lá se encheram outra vez. O filme é que parece ter desagradado aos críticos... Quanto aos restantes meses, esperam-se as sequelas do costume!

IRA. Belo retrato humano, o de «Isto é Inglaterra», dirigido por Shane Meadows. Ambientado na década de 80, aborda o movimento skinhead, mas pelo lado realista da coisa, centrando-se no olhar de uma criança. O cinema independente britânico está vivo e as memórias dos anos 80 também. O trabalho é óptimo, cru e arrebatador, e só demorou foi a chegar. Quem o viu, não esquece.

Independência sempre

2009-04-30T14:31:00.004+01:00

AVAREZA. «Através da invenção, da imaginação, da criação, torno-me mais autêntico que os pequenos burocratas.» WERNER HERZOG

Durante o período em que estive mais afastado das lides cinematográficas, começou mais uma edição do IndieLisboa. Um festival de cinema que já vale por si, não precisa de divulgação de alguém que não tem tempo para o explorar como devia.

Apesar disso, faço-o porque respeito a coerência do evento, a ebulição de ideias e a motivação para mostrar outros modos de pensar o cinema, seja longo ou curto, ficcional ou documental, português ou estrangeiro. Cabe tudo no IndieLisboa e ainda bem.

Por isso há que estar atento: até dia 3 de Maio, vale sempre a pena dar uma espreitadela porque há sempre coisas a descobrir. Este ano está-se a relembrar a obra de Werner Herzog, cineasta dúplice, caótico e certamente um dos que melhor define a independência que caracteriza o certame.

Em histórias minimalistas e projectos sempre pessoalíssimos, o seu cinema é um dos mais importantes sinais de que a ousadia merece o seu espaço. A dupla Herzog-Kinski marcou.

Além disso, a sua experiência no cinema documental também merece ênfase. Vai poder assistir-se ao seu primeiro documentário desde «Grizzly Man», ENCOUNTERS AT THE END OF THE WORLD, viagem que o realizador fez com o seu operador de câmara até à Antártica.

Mais uma meditação sobre a força da Natureza, a descobrir domingo, às 16h00, no Cinema São Jorge.

Esta é apenas uma sugestão, num programa gigantesco. Quaisquer destaques são redutores. O melhor mesmo é consultar a programação AQUI.

NA SALA ESCURA: Mais 3D, menos história

2009-04-28T22:36:00.004+01:00

GULA. «Posso não ter cérebro mas tenho uma ideia.» B.O.B (Seth Rogen, na versão original)

Depois de uma pausa para descanso, eis-me de volta a reflectir sobre o cinema e os seus novos caminhos. É certo e sabido que o que aí vem passa cada vez mais pela profundidade, ou seja, por dar novo cunho ao olhar. As projecções 3D deslumbram, tal como, por exemplo, a perspectiva deslumbrou na pintura do Renascimento.

Não sei se será o fim do ecrã plano, até porque no passado houve outras experiências que não resultaram - quem esquece os óculos coloridos para ver o clássico «O Monstro da Lagoa Negra»?

No entanto, há um aperfeiçoamento da tecnologia (sim, ainda a precisar de óculos...) que, aliada à animação digital, permite criar um assombro e uma vivacidade que pode dar novo fôlego a um cinema dizimado pela multiplataforma de ecrãs, a cópia, a democratização dos filmes.

Sabe-se também que se testam já novas televisões e há experiências verosímeis que apontam para técnicas que permitem descolar os conteúdos visuais até 40 centímetros do ecrã. As potencialidades são imensas, mas o cinema deve avançar nesse sentido sem descurar o seu imenso património.

A mais recente animação da Dreamworks, MONSTROS VS. ALIENS, é um divertimento em grande, enaltecido por uma técnica aprumada e um conhecimento já muito confortável dos efeitos da tridimensionalidade no olhar de um espectador ávido de novas sensações.

Colorido e com personagens dinâmicas, o filme volta a colocar em alta a indústria da animação, que tem saído fortalecida pela capacidade em entreter não só os mais novos como os adultos. A Pixar ainda é rainha nestas experiências, mas esta paródia à ficção científica não tem nada com que se envergonhar.

Quanto muito, falta-lhe uma história mais coesa, alguma coerência nas suas personagens demasiado caricaturais, mas a vontade em convocar memórias ligadas à ficção científica permitem hora e meia do mais puro divertimento. O cinema também é isso!

Outra crítica ao filme aqui

MONSTROS VS. ALIENS
De Rob Letterman e Conrad Vernon
* * *
Temos uma mulher gigante a lembrar a heroína «série Z» de outros tempos; um insecto com reminiscências de «A Mosca»; um ser aquático muito próximo de «O Monstro da Lagoa Negra» e uma figura gelatinosa que é talvez a mais cómica de todas. Depois, há extraterrestres esquizofrénicos, um presidente dos EUA incompetente e a lembrar «Dr. Estranhoamor» de Kubrick. Sim, é nesta panóplia de lembranças que esta diversão animada ganha pontos. É mais um sucesso global, embora lhe falte uma história que prima pela originalidade. No entanto, a grande técnica 3D e o assumir de que aqui o que conta é mesmo o artificialismo absurdo do excesso dão força e graça a esta obra. Sim, MONSTROS VS. ALIENS é um filme engraçado.

ILUSÕES DE ÓPTICA: Woody e o sentido da vida

2009-04-14T12:13:00.002+01:00

CINEFILIA: As cinco promessas de Abril

2009-04-09T13:23:00.006+01:00

SOBERBA. É um mês que se avizinha apinhado de estreias (há semanas em que o número de novos filmes ultrapassa a meia dúzia), o que não quer dizer que proliferem por aí as propostas com interesse. Há obras para todos os gostos, mas sente-se falta de um título mais forte. Ponto positivo? O novo cinema brasileiro e o português que não se rende aos lugares-comuns dão sinais de vida.

- UM AMOR DE PERDIÇÃO: A história de Camilo Castelo Branco é actualizada pela mão hábil de Mário Barroso. É certo que a ideia de ir às obras clássicas da literatura é uma aposta segura, mas capaz de resultados sofríveis, como o êxito de «O Crime do Padre Amaro». Não há esse risco por aqui. Basta ver o trailer para se perceber que o que se pretende é usar o património literário em nome de um experiente cinema, contido e inventivo. É bom recordar que Mário Barroso ofereceu-nos bons trabalhos como «O Milagre Segundo Salomé».

- A ORGANIZAÇÃO: É o tudo ou nada para o realizador Tom Tykwer em Hollywood. E é prometedor este filme em alta voltagem, porque mete um agente na caça a um banqueiro suspeito de crimes como lavagem de dinheiro e até terrorismo. Podia ser uma busca frenética para apanhar um outro Madoff, mas aqui, ao que parece ainda se vai mais longe. Clive Owen e Naomi Watts devem funcionar bem juntos.

- AUTOCARRO 174: O novo cinema brasileiro volta a mostrar o que vale e logo às ordens do experiente Bruno Barreto. Apesar de se basear na célebre tragédia que envolve o sequestro dos passageiros de um autocarro, cria um relato ficcional em torno de um órfão. Aqui não há heróis nem vilões. Apenas pessoas.

- HISTÓRIAS DE CABARÉ: É o filme transgressor do mês ou não fosse dirigido pelo independente Abel Ferrara. Ray Ruby's Paradise é um cabaret em Manhattan, espaço onde a falência figura no horizonte...

- APPALOOSA: É o regresso do também actor Ed Harris à realização. E logo a pretender ressuscitar o western. Só pela ousadia e pela sua interessante proposta anterior («Pollock») merece atenção. Além disso tem Viggo Mortensen, Jeremy Irons a fazer de mauzão e até uma perninha de Renée Zellweger. Alguém dará por ele?

OS MEUS POSTERS... O Padrinho (parte II)

2009-04-07T20:34:00.003+01:00

INVEJA. Este é o meu breve tributo aos 70 anos de Francis Ford Coppola, a comemorar este dia 7 de Abril. É certo que a carreira do gigantesco cineasta paralisou na década de 90, mas ninguém lhe retira o engenho e a força da trilogia «O Padrinho», «Apocalypse Now», «Drácula de Bram Stoker» ou «O Vigilante». O seu cinema é gigantesco. Seja na elaboração de obras-primas como de projectos falhados.

Os sete pecados de... Março 2009

2009-04-07T20:01:00.003+01:00

IRA. Numa incursão insistente pelo género western deparei-me com um interessante filme em que a personagem determinante de toda a história é... uma arma. WINCHESTER '73 respira clássico por todos os poros e, além de uma realização dinâmica de Anthony Mann, há ainda planos ousados para o género do Velho Oeste e uma interpretação de James Stewart mais aguerrida do que o previsto. Nesta jornada pela posse da tal arma, há muitos que ficam pelo caminho. Mas no meio dos resistentes há uma mulher: a extraordinária Shelley Winters. Era bom que todos os filmes fossem assim: reactivos e muito interessados em reflectir sobre valores, sem com isso descurar a força artística que deve fazer mover um filme.

SOBERBA. Em cada ida ao videoclube, uma nova constatação de que devia ir mais vezes ao cinema... O que ficou por ver no grande ecrã? «Nós Controlamos a Noite», a interessantíssima obra de James Gray, que insiste em querer parecer-se com Scorsese ou Coppola, na forma como se deixa embrenhar no mundo do crime. Pois bem, a história está muito bem contada, tem as reviravoltas que se lhe pedia e duas interpretações estrondosas, tanto de Joaquin Phoenix como de Mark Wahlberg. Depois o cuidado no tratamento das imagens é profundo e há aqui uma mística muito pouco presente no moderno cinema norte-americano. Uma boa surpresa. Carregada de intensidade!

PREGUIÇA. No outro dia alguém me disse: os DVD piratas são melhores do que os originais. Pelo menos, não temos aqueles irritantes e obrigatórios vídeos a alertarem para o facto de nunca se roubar a carteira de quem está ao lado. É um pouco paradoxal, não? As cópias estão livres disso enquanto que quem paga do seu bolso por um DVD tem de aturar a lição toda... «O download é um crime». Sim, tudo bem. Mas parece que quem paga mais as favas é quem não o faz.

GULA. A moda dos DVD com jornal continua. Parece que «Expresso» e «Visão» se articularam para distribuir grande parte dos títulos de Almodóvar. Boa ideia! Até porque as edições a distribuir são cuidadas e apresentam capas muito bonitas.

AVAREZA. Sabemos que os multiplexes vieram para ficar e os cinema mais pequenos... estão a esforçar-se por sobreviver. Mas, ainda assim, convém ter algum cuidado. Poupar a todo o custo pode levar ao descontentamento do cliente: no outro dia fui ao Fonte Nova, cinema que prezo muito, mas quase tive de suplicar para me venderem um bilhete. Não estava ninguém na cabine. Tive de esperar cinco longos minutos para ser atendido... já na sala, as luzes demoraram uma eternidade a apagar e, no final, nem chegaram a acender já depois dos créditos terem terminado. Resultado? Foi uma saída às apalpadelas.

LUXÚRIA. Foi a desilusão do mês: o triângulo formado por Gwyneth Paltrow, Martin Freeman e Penélope Cruz prometia muito em «O Sonho Comanda a Vida», mas desemboca numa reflexão atabalhoada sobre o poder dos sonhos. Há um superficialismo bacoco no olhar desencantado da personagem de Freeman e Cruz não faz mais do que querer parecer uma musa de poucas falas. Já Paltrow safa-se às ordens do irmão, mas não chega para evitar o bocejo.

INVEJA. Diz-se que Zack Snyder fez um óptimo trabalho na aproximação do cinema à BD de «Watchmen». Os aplausos parecem ser mais que muitos. E eu que não arranjei um tempinho para o ver em sala...

NA SALA ESCURA: A maturidade é isto

2009-03-30T11:31:00.004+01:00

INVEJA. «Adoro cada aspecto que envolve a criação de um filme e acho que estou comprometido com isso para toda a vida.» CLINT EASTWOOD

Quem vê um dos seus dois últimos filmes não pode deixar de concluir: já não se fazem filmes assim! Clint Eastwood pertence a outro tempo, apresenta um estilo único, que congrega subtileza artística com sensibilidade dramática. O último dos duros está cada vez mais interessado na complexidade gigantesca que é a consciência.

Aos 78 anos, o cineasta apresenta uma dinâmica de realização imbatível e parece fervilhar de ideias.

Não de meros conceitos, mas de verdadeiras ideias de bom cinema, capazes de criar um efeito de deslumbramento como raramente se descobre nas salas escuras cada vez mais artilhadas.

Se há algo que sobressai tanto em «A Troca» como em «Gran Torino» é uma reflexão sobre o tempo e sobre um certo desajuste entre a cronologia e as suas personagens principais. Com óbvios efeitos mais expressivos no último caso, com o protagonista a sentir-se desenquadrado perante uma América que sofreu uma mudança sociológica mais rápida do que o próprio ex-militar.

Já a figura de Angelina Jolie parece padecer do efeito inverso, assumindo-se como uma mãe solteira, moderna e independente, num período em que isso não era assim tão bem aceite.

Nestas duas belas lições sobre sétima arte que Clint Eastwood nos dá, e com apenas alguns meses a separá-las, há ainda a componente dramática que é trabalhada com perfeita noção. Eastwood elabora as suas histórias sem desdenhar dos pormenores, mas centrando-se em figuras que crescem em densidade cena a cena.

No final, o que temos? O cinema a redescobrir-se a si próprio em exemplares casos em que a tradição se pode modelar para gerar novos efeitos. E a prova de que o último dos duros está ainda lúcido. Como nunca antes o foi. Afinal, a maturidade é isto!

Outra crítica de «A Troca» e de «Gran Torino»

A TROCA
De Clint Eastwood (2008)
* * * *
O caso é real e isso só faz aumentar a consternação perante um drama humano que Clint Eastwood constrói recorrendo às armas que conhece melhor: a argúcia, o sentido crítico, o dramatismo a oscilar entre a contenção e o pânico. A jornada de uma mulher em busca do seu filho é desesperante, com Angelina Jolie a revelar-se extraordinária na construção de um papel dúplice. A sua força está exposta num olhar esvaziado. É certo que a sua personagem, a espaços, parece ser demasiado moderna para a sua época, mas a dor é universal. E aí Eastwood não falha. Nem um milímetro.

GRAN TORINO
De Clint Eastwood (2008)
* * * * *
É muito provavelmente a última vez que se vê Eastwood no grande ecrã. É por isso também que tudo aqui soa a despedida, com o último dos duros a lembrar outros tempos, outras personagens. No entanto, o tempo é outro. E falta pouco para que o protagonista encontre a redenção. Num filme em que a morte e a fé são duas questões por resolver, o cineasta constrói um dos mais perfeitos dramas humanos que temos visto no cinema. E tudo à luz de uma câmara extraordinária, capaz de surpreender com planos assombrosos. Clint Eastwood é um génio. Discreto e muito sensível.

ILUSÕES DE ÓPTICA: Desmancha-prazeres

2009-03-25T13:05:00.001+01:00

QUIZ: A que filme pertence esta imagem?

2009-03-24T12:43:00.002+01:00

O Quiz está de volta para espicaçar as memórias cinéfilas. Neste caso, até se dá uma pista: a realizadora esteve há pouco por cá. E mais não digo...

Solução do QUIZ anterior: os três filmes ganharam Óscar de Melhor Filme Estrangeiro: Mar Adentro, Amarcord e Fanny e Alexander.

Dar umas luzes aos irmãos Lumière (VII)

2009-03-23T12:36:00.004+01:00

Caros irmãos Lumière,

Diz-se que William Shakespeare inventou o teatro, no que à sua carga emocional diz respeito. É por isso que as suas obras ainda hoje se refazem em vários palcos. A sua mensagem é universal, os sentimentos expostos também.

A marca autoral faz-se à custa de personagens que nunca estão a meio caminho para algum lado. Vivem no centro de algo muito superior a elas e até nos exercícios mais cómicos se deixa perceber um fundo psicológico com fortes repercussões.

Não é por acaso que o cinema, na sua vontade em pegar na autenticidade das emoções, adaptou em diversas circunstâncias grande parte das obras do dramaturgo inglês. Mas nem sempre o fez de forma assumida. E é aqui também que se encontram os casos mais interessantes.

Lembro-me desta componente dramática do cinema ao descobrir «Anatomia do Medo» («Ikimono no Kiroku»), aquele que é entendido como um trabalho maldito no contexto da carreira de Akira Kurosawa, mas que é também um dos mais aproximados da lógica shakespeariana.

O medo é a palavra-chave deste trabalho dirigido num impecável preto e branco. Sob o pano de fundo da guerra fria e das clivagens inerentes aos receios de um ataque nuclear, o patriarca Kiichi Nakajima vive aterrado quanto à hipótese do Japão ser assolado por um ataque e só quer levar a família consigo para o pacífico Brasil. Mas ninguém parece querer mudar de vida, tanto mais para seguir apenas os receios de um homem cuja idade já pesa.

Resultado? A guerra invisível tem efeitos mais trágicos do que os bombardeamentos, dado o rompimento familiar, e o protagonista, ao ver-se sozinho na sua vontade de fugir, caminha a passos largos para a demência.

Nesta jornada psicológica rumo ao isolamento, Kurosawa deixa-se levar pelas vozes interiores, pelos rostos tolhidos pelo susto, pela incompreensão e pelo sentido mais lato da palavra ruptura. E tudo isto sob um omnipresente calor, um sol gigante, como se a personagem principal estivesse a lutar contra o Inferno.

«Anatomia do Medo» joga com as implicações afectivas de uma dúvida e é um poderoso teste à coesão familiar, esse tema tão recorrente de outros trabalhos de Shakespeare. A vivacidade dos diálogos comporta ecos de «Rei Lear» e o efeito impressionista das suas imagens faz com que o espectáculo se construa em torno de sentimentos tão cortantes como o terror ou a piedade.

E caminha-se fundo neste precipício, que embora assente em premissas tão velhas como a mais antiga peça de teatro, surge sob a máscara moderna dos medos de uma ameaça química a partir de uma divisão mundial.

No final, assiste-se à clausura. E nem mesmo o efeito positivo da cena final, que usa os corredores em direcção ao hospício como metáfora para as subidas e descidas - e, neste caso, a subida da mãe com a criança mostra que pode haver esperança! -, consegue apagar o que se passou antes. Temos uma família desmembrada, um protagonista velho, desfeito e sozinho, completamente enlouquecido. Haverá algo mais shakespeariano do que esta perversão?

Depois, em «Anatomia do Medo», há ainda a figura poderosa de Toshiro Mifune, envelhecido propositadamente para viver a pele do homem que sonha com a evasão. O seu rosto de permanente temor é daquelas imagens que não descolam da retina.

É o cinema a impor-se na sua face mais dura. E expressionista.

NA SALA ESCURA: Filmar a alegria

2009-03-21T15:04:00.005+01:00

AVAREZA. «Não podes fazer toda a gente feliz.» ZOE (Alexis Zegerman)

Há quem diga que o segredo da perfeição está na simplicidade. E uma coisa simples, nas doses certas, é tão difícil de alcançar como ver golfinhos no rio Sado. No cinema, é raro encontrarmos casos de genuína contenção, que representem um equilíbrio entre densidade dramática e aprumo técnico.

Houve recentemente nas salas nacionais uma «pérola dessas», sintoma de que a sétima arte pode ser um bálsamo para a auto-estima sem precisar de recorrer a fórmulas demasiado cruas ou sobre-exploradas.

Simplicidade não quer dizer simplismo. Quer dizer, no caso de «Um Dia de Cada Vez», muito bom gosto e genuíno espaço aos pequenos prazeres que moldam uma personalidade.

O realizador Mike Leigh, habituado a dramas humanos com um peso emocional sempre no limite, abranda nos efeitos do sofrimento e opta por igualmente se estender nos afectos, aqui meramente positivos. Viver não custa, custa é saber viver, parece-nos gritar o cineasta de «Vera Drake». Ou melhor, explica-nos ao ouvido: o segredo está nas pequenas coisas.

Ao construir um filme em torno do dia-a-dia de Poppy, a mais simpática e doce das professoras primárias de Londres, Leigh quer pensar o lugar da felicidade nas sociedades contemporâneas e mostrar que ser bem disposto é possível. Difícil mas possível.

Em jeito de lufada de ar fresco, «Um Dia de Cada Vez» impõe-se levemente ao espectador que se deixa derreter pela vivacidade extraordinária de Sally Hawkins, uma revelação. A mensagem sobre o poder da felicidade passa, sem se precisar de insistir no moralismo. Até porque ser feliz pode causar dissabores, como Poppy também percebe, nomeadamente na relação que ela estabelece com o seu instrutor de condução (aplausos para o desempenho de (Eddie Marsan).

Outra crítica AQUI

UM DIA DE CADA VEZ
De Mike Leigh (2008)
* * * *
É o bálsamo do ano de 2008 e merecia ter sido muito mais promovido entre nós. Não só porque esta produção britânica privilegia as suas personagens sem as reduzir a meras caricaturas de uma qualquer sitcom, como o modo como Mike Leigh nos conduz para a vida genuinamente bem disposta de Poppy é altamente criativo e muito bem filmado. Depois há uma extraordinária Sally Hawkins, a mostrar que um bom desempenho alegre pode ser tão ou mais difícil do que os tétricos. A mensagem de carpe diem não enjoa e o realizador de Segredos e Mentiras comprova que é exímio nas análises ao comportamento humano. A felicidade está logo ali ao virar da esquina...

Natasha Richardson: 1963-2009

2009-03-19T21:25:00.008+01:00

IRA. «Desaparece, assim, um dos símbolos de uma grande família de criadores e artistas ligados ao mundo do teatro e cinema.» JOÃO LOPES in Sound + Vision

Uma morte tem sempre o peso colossal de um vazio que fica. Mas o choque é tanto maior quando surge de forma inusitada.

A britânica Natasha Richardson era um exemplo de charme e contenção, com uma presença sólida no cinema.

Sem precisar de grandes artifícios ou participações em obras de peso comercial. Trazia consigo um peso de património dramático, imediatamente reconhecido na sua mãe, a excelente Vanessa Redgrave, e no seu pai, Tony Richardson.

A mulher do também excelente Liam Neeson desaparece subitamente aos 45 anos, devido a complicações de um acidente de sky. No cinema, foi uma presença discreta, mas deu nas vistas tanto em «Nell», como em «A Condessa Russa», «A Casa da Loucura». ou na comédia da Disney «Pai Para Mim... Mãe Para Ti».

Mas era nos palcos do teatro onde mais gostava de se expor. O cinema volta a ficar mais pobre. E com aquela amarga sensação de ser antes de tempo.

ILUSÕES DE ÓPTICA: 10 anos sem Kubrick

2009-03-17T00:26:00.001+01:00

O QUE AÍ VEM... O Anticristo

2009-03-15T22:01:00.004+01:00

IRA. «Um filme deve ser como uma pedra no sapato.» LARS VON TRIER

Lars von Trier vai realizar uma obra de terror. Os seus detractores interrogar-se-ão: mas não é isso que ele tem feito em grande parte da sua carreira? Corroendo as suas protagonistas até ao limite, jogando forte na cartada da misoginia? Que o digam Emily Watson, Björk ou até Nicole Kidman...

Pois, mas desta é que é. Não será apenas terror emocional. É mesmo terror, enquanto género cinematográfico. O ANTICRISTO vai chegar às salas mundiais ainda este ano e conta como trunfos dois actores de se lhe tirar o chapéu: Willem Dafoe e Charlotte Gainsbourg.

Pouco se sabe sobre esta história mas custa a crer que Lars von Trier se vai limitar a seguir os chavões que todos conhecemos dos filmes de terror. E não é que a premissa é tão banal que até dói? Tudo gira em torno de um casal que se muda para uma cabana isolada, depois da morte do filho único. A partir daqui, o sobrenatural fala mais alto...

Onde é que isto já se viu? Esperemos que em lado nenhum e que von Trier utilize o seu modelo de câmara ao ombro, personagens em ruptura e muita crueza para desconstruir o filme de terror. Diz-se até que neste enredo o mundo é criado por Satanás e não por Deus...

Filmado na Alemanha, O ANTICRISTO será um trabalho de duração abaixo da média (menos de 100 minutos) e está a ser muito aguardado por ser o primeiro filme de Lars von Trier depois de um assumido bloqueio criativo e de uma depressão. Ao ponto deste projecto ter estado em risco de nunca se concretizar...

No entanto, von Trier parece estar de volta. Em cima da mesa está já outro trabalho: «Wasington», que deverá contar com Udo Kier.

NA SALA ESCURA: Os nomeados que faltavam

2009-03-11T12:33:00.009+01:00

SOBERBA. «Não estou assustado. Não estou assustado com nada. Quanto mais sofro, mais amo. O perigo apenas faz crescer o meu amor.» MICHAEL (David Kross) em O Leitor

No meio do rebuliço dos Óscares, houve a necessidade de descobrir a totalidade dos nomeados para as principais categorias de forma apressada, a tempo da cerimónia. Na altura, não houve oportunidade para escrever sobre os três visionamentos, mas aqui se fecha o ciclo dedicado às estatuetas douradas deste ano.

O que se pode desde já assegurar é que a colheita foi boa.

Os principais nomeados são bons filmes, de géneros distintos e com valores de produção igualmente antagónicos. Se houve filmes mais académicos como «O Estranho Caso de Benjamin Button» (ainda assim, o meu favorito para os principais prémios) ou «O Leitor», também se procurou dar espaço ao cinema de tom político, caso do interessante «Frost/Nixon».

O cinema-surpresa veio com o óptimo trabalho de Gus Van Sant, «Milk», e principalmente com «Quem Quer Ser Bilionário?», a euforia do ano, sintoma também de que há vontade por parte da Academia em olhar para outras cinematografias e até para outras culturas (a Índia está na moda!).

O único verdadeiro perdedor dos cinco foi «Frost/Nixon». Coube-lhe a ele sair de mãos a abanar do Kodak Theatre, mas teve a vantagem de evidenciar que há ainda interesse em ir à história recente da política norte-americana para daí construir uma forma de cinema madura e inteligente. Além de grandes composições entre a dupla de actores, o filme mostrou que Ron Howard até tem algum talento para lá da sua veia académica e comprometida.

Já «O Leitor» representou a consagração de Kate Winslet, finalmente Óscar de Melhor Actriz. Delicada e novamente extraordinária, a estrela de «Revolutionary Road» entrega-se como nunca a uma história sobre memórias mal resolvidas e o poder da palavra. Não só de honra como da escrita.

Por fim, «Milk» é um sintoma de que Gus Van Sant nunca se cansará de experimentar. Desta vez num tom menos introspectivo, traça um tocante e bem documentado retrado de Harvey Milk, naquela que é uma das mais impressionantes composições de Sean Penn. Quem não deve ter achado graça nenhuma foi Mickey Rourke, que viu o Óscar que lhe era prometido ir parar às mãos do actor de «Mystic River». Foi o único twist da noite.

O LEITOR
De Stephen Daldry (2008)
* * *
Desde que se estreou na realização de longas-metragens com «Billy Elliot», Stephen Daldry tem sido sempre nomeado para o Óscar de Melhor Realizador. Aconteceu com «As Horas» e agora com este seu novo trabalho sensível, que regressa às marcas da Segunda Grande Guerra, com o centro da acção na Alemanha. É certo que no filme se fala em inglês, que Ralph Fiennes parece nunca encontrar o seu lugar na história e que há alguma falta de ritmo na segunda parte. No entanto, «O Leitor» começa muito bem e enaltece-se graças à entrega de Kate Winslet e ao jovem actor alemão David Kross. A relação carnal é particularmente bem dirigida e a história que a suporta tem um peso que é de assinalar. Daldry é um artista sensível e preocupado com o sentido das imagens.

MILK
De Gus Van Sant (2008)
* * * *
O realizador que gosta de experimentar procurou desta vez traçar um drama com pretensões documentais sobre a figura de Harvey Milk, primeiro político assumidamente homossexual a chegar a um lugar de relevo nos Estados Unidos. Para lá do discurso sobre a igualdade, o filme impressiona pelo extraordinário trabalho de montagem, o tom elaborado dos planos (há cenas que se vêem apenas a partir do reflexo de um espelho, que são de cortar a respiração) e os actores. Aplausos para Sean Penn, cada vez mais extraordinário. Já o argumento, complexo mas muito bem articulado, foi também premiado com um Óscar.

FROST/NIXON
De Ron Howard (2008)
* * *
Transformar uma célebre entrevista num filme é um desafio interessante para qualquer realizador. Rapidamente se podia tornar num projecto monótono ou vazio. Ron Howard aceitou o repto de colocar de novo frente a frente Nixon (Frank Langella) e o jornalista David Frost (Michael Sheen) e não se saiu nada mal. O tom é acutilante e bem contextualizado, se bem que seja uma adaptação de uma estrutura já existente, a peça teatral feita até com o mesmo par protagonista. No entanto, é um sinal de cinema de confronto de valores que também faz falta.

OS MEUS POSTERS: Em Bruges

2009-03-10T13:13:00.004+01:00

IRA. Foi outra das grandes falhas em 2008, à semelhança de «Antes Que o Diabo Saiba Que Morreste». Descobri EM BRUGES no passado fim-de-semana e fiquei siderado. Pela realização coesa, pela dupla extraordinária formada por Brendan Gleeson e Colin Farrell, pelas reviravoltas da acção trágico-cómica e pelo modo inteligente como o realizador Martin McDonagh aproveita o lado quase onírico da cidade de Bruges. Ao ponto de a transformar no cenário ideal para um final excessivo à maneira de um quadro de Bosch.

CINEFILIA: As cinco promessas de Março

2009-03-07T15:41:00.008+01:00

GULA. Depois da overdose de estreias a tempo dos Óscares, a ressaca. O que não é obrigatoriamente mau. Março é também o mês de estreias fortes, mas que foram propositadamente adiadas ou por serem demasiado marginais para poderem competir com os grandes títulos da temporada ou por estarem a chegar agora às salas para conseguirem bons resultados, atendendo à fraca concorrência.

- HOMEM NO ARAME: Óscar de Melhor Documentário, este filme que tem sido muito aplaudido por onde tem passado procura recordar o feito proibido de Philippe Petit em 1974. Enquanto em Portugal havia a «Revolução dos Cravos», um homem decidiu atravessar as duas Torres Gémeas através de um arame. O filme analisa essa loucura, apelidada de «o crime artístico do século».

- WATCHMEN - OS GUARDIÕES: Os atrasos sucessivos e as broncas em torno de estúdios só ajudaram a aumentar a curiosidade em torno deste novo trabalho do mesmo realizador de 300. Num universo alternativo, superheróis correm risco de vida numa sociedade que transpira corrupção. Diz-se que é a melhor BD do mundo com direito à melhor adaptação para cinema de uma história do género. É ver para crer.

- A MULHER SEM CABEÇA: A curiosidade independente do mês. É o novo título da realizadora argentina de O Pântano. Lucrecia Martel cria uma perturbante análise à mente de uma mulher, que vive com o medo de ter morto alguém.

- GRAN TORINO: Pode ser a última vez que se vê Clint Eastwood no grande ecrã. Ou talvez não... No auge da sua maturidade artística, e no mesmo ano em que nos ofereceu o profundo A Troca, ei-lo de novo à frente e atrás das câmaras. Ele é um rabugento e pouco amistoso veterano da Guerra da Coreia, agora reformado, que se torna herói no seu bairro. Aos poucos, vai aprender mais sobre ele e os seus vizinhos, que antes desprezava. Mais um conto humano abrilhantado por Eastwood.

- O ARGENTINO: Diz-se que Benicio del Toro está fantástico. Diz-se que a realização de Soderbergh é de se lhe tirar o chapéu. O único «senão» aparente? Ter cortado este projecto em dois. A primeira parte é esta e descreve a ida para Cuba de Fidel Castro com 80 rebeldes. Um deles é Che Guevara, médico argentino que sonha em derrubar a ditadura de Fulgêncio Batista. Objectivo desta obra? Desconstruir o herói revolucionário.

Os sete pecados de... Fevereiro 2009

2009-03-03T01:37:00.004+01:00

AVAREZA. A grande surpresa do mês vem tardia, descoberta no clube de vídeo quando deveria ter sido na sala escura. ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE MORRESTE é um trabalho irrepreensível do veterano Sidney Lumet, um conto despedaçado sobre dois irmãos que se tornam fantasmas, reféns de um golpe condenado desde o início. Este belo conto sobre perdedores é elevado por extraordinários desempenhos (Philip Seymour Hoffman é grandioso, Ethan Hawke coeso como nunca o tínhamos visto antes, Albert Finney desesperado, Marisa Tomei sublime na sua imperfeição tristonha), mas acima de tudo por uma câmara que sabe sempre onde estar. Nós, espectadores, somos testemunhas trocidadas por uma história de implicações morais terríveis. Mas no meio de tudo isto, há cinema. Belo cinema! Assente em rostos. E na dor que há neles.

SOBERBA. Mês de Óscares... Hollywood enche-se de glamour neste tempo de crise e rende-se a uma história de amor que emerge da pobreza indiana. «Quem Quer Ser Bilionário?» levou a melhor sobre «O Estranho Caso de Benjamin Button» e a Academia deu assim um sinal de que quer mudar alguma coisa... Algo que se viu na exuberante gala da entrega de prémios. Mais virada para o seu público e para as pessoas que fazem do cinema uma arte. Aplausos!

LUXÚRIA. O triângulo amoroso entre Scarlett Johansson, Javier Bardem e Penélope Cruz (vencedora digna do Óscar de Actriz Secundária) é a descoberta do mês. «Vicky Cristina Barcelona» é o Woody Allen de que se estava à espera, só que mais atrevido e luminoso.

AVAREZA. Outra das descobertas retardadas do mês chama-se «Tsotsi», Óscar de Melhor Filme Estrangeiro há um par de anos. Centrado no meio pobre da África do Sul, é mais uma história de crime e desigualdades sociais, mas a bela fotografia e o tom intimista mostram que a contenção de meios consegue ainda gerar efeitos emocionais de assinalar.

IRA. «Watchmen» estreia ou não estreia? Parece que está próximo o dia, depois de muitos avanços e recuos. Será a melhor adaptação de uma BD de sempre ou antes uma imensa desilusão? Aceitam-se apostas.

PREGUIÇA. A ida à Fnac está a ser substituída pela compra do jornal ao fim-de-semana. Erradamente, eu sei, mas não é que há cada vez mais DVD a preço de saldo? E há até compras realmente surpreendentes... O «Público» distribuiu o «Censurado» de Brian De Palma e o «DN» optou pelo «O Barbeiro» dos Irmãos Coen. Atenção: para a semana sai o excelente «Pecados Íntimos» do Todd Field. Quem é que paga isto?

INVEJA. A Prisvídeo reeditou grande parte das obras de Pedro Almodóvar, com edições que primam pelo esforço em incluir extras e, além disso, capas bonitas de se ver, com figuras de traços coloridos aos quais associamos as tramas quase novelescas do mais famoso dos realizadores espanhóis. É uma boa oportunidade para adquirir títulos em falta, porque o cuidado estético e técnico convencem.